Archives de l’auteur : Thomas Golsenne

Séminaire du 6 avril : les annotations du Greco sur Vitruve

Images Re-vues a le plaisir de vous inviter à son prochain séminaire :

Maria Georgilaki

 « Les annotations du Greco sur Vitruve »

6 avril 2017

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Salle Walter Benjamin, 10h-12hEntrée libre

 

Natif de Crète, orthodoxe, peintre d’icônes de renom, citoyen vénitien, tolédan d’adoption et artiste des autorités étatiques espagnoles, ami d’intellectuels et de prélats contre-réformistes, le Greco est pourtant plus connu par les lieux communs du XIXe siècle (mysticisme, déraison, extravagance, etc.), très résistants aux découvertes des historiens. À sa mort, il possède une des plus grandes bibliothèques d’artiste ou d’amateur d’art connues du XVIe siècle. Ses manuscrits volumineux étant tous perdus, il ne nous reste de sa pensée que les annotations sur quelques-uns de ses livres.

Les apostilles du peintre sur Vitruve ont fourni les fragments les plus instructifs sur la théorie de la peinture du Greco. Mais trente ans après leur découverte, ses commentaires sont à peine dissociés du tempérament de l’artiste. Ses marginalia sur De architectura peuvent contribuer à une lecture plus large de la pratique du Greco et enrichir le regard sur la technique de la peinture d’affiliation vénitienne.

Maria Georgilaki est née à la Canée en Crète. Elle a étudié l’art et la théorie des médias (Communications Arts and Sciences) et la philosophie au Queens College à New York (Bachelor of Arts) en 1991. Sous la direction d’Hubert Damisch, à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales à Paris, elle a commencé une recherche sur les annotations du Greco. Elle a obtenu le Master (2014) de la même école sous la direction de Giovanni Careri, au Centre d’Histoire et de Théorie de l’Art, sur le thème des survivances des schémas byzantins dans les tableaux du Greco. Elle prépare actuellement une thèse sous sa direction, sur la notion d’espace chez le Greco, et écrit aussi sur des créations contemporaines. Elle partage son temps entre Paris et la Crète. Les projets déjà entrepris portent sur la survivance des formules prémodernes dans l’expérience contemporaine.

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Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : « objets, techniques, supports », organisé par Doina Craciun, Bénédicte Duvernay, Bérénice Gaillemin, Élise Lehoux, Vasso Zachari

Séminaire du 2 mars : La notion d’iconographie implicite au prisme de la transe hallucinatoire grisi siknis chez les miskitos du Nicaragua

 Images Re-vues a le plaisir de vous inviter à son prochain séminaire :

Maddalena Canna

 

La notion d’iconographie implicite au prisme de la transe hallucinatoire grisi siknis chez les miskitos du Nicaragua

2 mars 2017

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

salle Walter Benjamin

10h-12h

entrée libre

Grisi siknis, en miskito nicaraguayen « la maladie folle », est une famille de crises de transe hallucinatoire perçues comme une maladie contagieuse chez plusieurs populations de la Moskitia, entre le Honduras et le Nicaragua oriental. Une attaque de grisi siknis déclenche un comportement agressif/auto-agressif associé à une série d’hallucinations récurrentes. À cause de leur potentiel pathogène, les images visuelles associées aux attaques de grisi siknis sont rarement représentées. Elles constituent cependant un répertoire iconique cohérent et sophistiqué. Par une pratique ethnographique expérimentale, en demandant à une série d’affectés de dessiner sur papier ces apparitions, j’ai participé à la mise en évidence de cette tradition iconique de mémoire hallucinatoire. En m’interrogeant sur le statut de ces images, à la fois représentations, résidus somatiques et matrices imaginaires partagées, je propose la notion d’iconographie implicite pour rendre compte de ces traditions où un répertoire iconique figé est transmis en l’absence d’un support externe.

 

Maddalena Canna, anthropologue, est doctorante au Laboratoire d’Anthropologie Sociale (EHESS/Collège de France), Lauréate de la Fondation Martine Aublet du Musée du Quai Branly et membre de l’équipe interdisciplinaire ALIUS. Sa thèse porte sur l’iconographie implicite de la transe hallucinatoire grisi siknis. Après une année d’enquête ethnographique parmi les miskitos du Nicaragua, elle mène une recherche comparative et interdisciplinaire sur les modalités d’incarnation et de propagation de l’imaginaire et sur son interaction avec les états de conscience, avec un intérêt particulier pour les traditions visuelles.

Séminaire du 2 février : Icônes éthiopiennes du XVe siècle

Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud

De l’analyse des matériaux à l’archéologie des processus de création :

Icônes éthiopiennes du XVe siècleundefined

A partir d’un projet initial sur l’identification des matériaux, cette présentation verra comment interroger les processus de création et de fabrication des icônes éthiopiennes à partir du corpus de données matérielles créé à cette occasion. A travers ce que l’on peut discerner de l’organisation du travail, elle reviendra sur les questions propres aux pratiques d’attribution et à l’auctorialité de ces peintures en l’absence d’informations textuelles.

 

 

 

Claire Bosc-Tiessé, historienne de l’art (CNRS, Institut des Mondes Africains) et Sigrid Mirabaud, chimiste (Inp), travaillent depuis plusieurs années sur un projet d’analyses des matériaux constitutifs des peintures et sur les processus de création et de fabrication à partir d’un corpus d’icônes et de peintures murales éthiopiennes datées entre le XIIIe et le XVIIIe siècle. Spécialiste de l’Éthiopie, Claire Bosc-Tiessé est notamment l’auteur des Îles de la mémoire. Fabrique des images et écriture de l’histoire dans les églises du lac Tana, Éthiopie, XVIIe-XVIIIe siècle paru en 2008 aux Publications de la Sorbonne. Sigrid Mirabaud est spécialisée dans l’étude des matériaux anciens, adjointe au directeur des études du département des restaurateur et responsable du laboratoire de l’Inp.

Parution du n° 13 : Supports

Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution de son numéro 13 :

Supports

direction Doina Craciun et Bénédicte Duvernay

Editorial

Doina Craciun et Bénédicte Duvernay

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Le thème de ce numéro invitait historiens de l’art, restaurateurs, archéologues, anthropologues, etc. à proposer leurs réflexions sur des objets spécifiques du point de vue de la relation entre matière et image, entendues au sens que leur donne Cesare Brandi lorsqu’il définit la matière comme « tout ce qui sert à l’épiphanie de l’image », et en distinguant dans cette catégorie la matière comme prioritairement support, structure (les fondations d’un édifice, le bois d’une icône, etc.) et la matière participant de l’aspect de l’image (l’enduit peint d’une façade, le marbre taillé en statue, etc.). La Teoria del restauro livre l’exemple d’une œuvre peinte, où le panneau de bois est la matière-support, et la couche de peinture la matière-aspect, tout en précisant, d’emblée, que la matière, comme véhicule de la forme, lui est coextensive, et que la distinction entre matière-support et matière-aspect est la plupart du temps poreuse.

En prenant les distinctions théoriques de Brandi comme point de départ, nous voulions suggérer aux auteurs quelques pistes de réflexions originales : nous intéressaient en particulier les cas historiques particulièrement significatifs quant à la question du revêtement ou du dévoilement des supports.

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illusion de surface : percevoir la « peau » d’une sculpture

Christina Ferando

Au XVIIIe siècle, certains sculpteurs, comme Antonio Canova, utilisèrent la cire pour essayer de teinter de façon subtile la surface de leurs œuvres, s’attachant tout particulièrement au traitement de la chair de leurs figures. Cet essai explore la réticence du public face à cette polychromie, proposant un lien entre la critique largement négative des œuvres et l’apparence trompeuse de leur surface dont le traitement à l’encaustique imitait de trop près celle de l’Antique. D’autre part, l’effet de réel de la couleur menaçait le statut de la sculpture et sa place dans la hiérarchie des Beaux-Arts. Mettant l’accent sur la surface même de l’œuvre, et l’opposition entre surface et son contenu, l’effet de réel ainsi mis en place soulevait des questions non seulement esthétiques, mais aussi philosophiques et scientifiques.

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L’épiderme des statues grecques : quand le marbre se fait chair

Adeline Grand-Clément

Dans la langue grecque, le terme qui désigne la peau, khrôs, signifie aussi « couleur ». L’épiderme humain est ainsi un des éléments à partir desquels les Grecs ont pensé le chromatisme et ses caractéristiques. L’excellence d’un peintre se mesurait d’ailleurs à sa capacité à trouver le ton juste, capable de rendre les nuances subtiles du teint humain (andreikelon) et de conférer à l’œuvre picturale un effet de vie. On sait aujourd’hui que les statues n’échappaient pas à cette mise en couleurs, même si le traitement des parties dénudées du corps humain demeure relativement mal connu. L’article proposera quelques réflexions autour de ce rapport entre peau et couleur, en s’intéressant à un matériau en particulier : le marbre. Cette pierre cristalline semble en effet avoir été l’un des supports privilégiés de la mise en couleur, depuis l’époque archaïque, et l’on s’interrogera sur les raisons qui expliquent cette préférence.

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Une archéologie des icônes éthiopiennes. Matériaux, techniques et auctorialité au XVe siècle

Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud

Alors que l’Éthiopie est christianisée à partir du ive siècle de notre ère, les premières icônes éthiopiennes préservées datent du xve siècle sans que l’on établisse précisément aujourd’hui si c’est à ce moment qu’elles apparaissent en Éthiopie ou si d’autres plus anciennes ont complètement disparu. Partant de l’analyse des matériaux et de la manière dont ils sont mis en œuvre, cet article propose d’étudier la stratigraphie de deux icônes parmi les plus anciennes conservées pour discerner les différentes étapes de la création de l’œuvre et celles qui concernent sa vie sur une durée plus longue. Tout en mettant en évidence la mise en place d’une technologie des icônes en Éthiopie de manière générale, il entend réfléchir aux modalités de la création en reconsidérant les pratiques d’attribution en cours dans l’histoire de l’art éthiopien.

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Des images en quête de supports. L’iconographie implicite des crises hallucinatoires grisi siknis

Maddalena Cana

Grisi siknis, en miskito nicaraguayen « la maladie folle », est une famille de crises de transe hallucinatoire perçues comme une maladie contagieuse chez plusieurs populations de la Moskitia, une aire multiethnique s’étendant entre le Honduras et le Nicaragua oriental. Une attaque de grisi siknis déclenche un comportement agressif/auto-agressif associé à une série d’hallucinations récurrentes. À cause de leur potentiel pathogène, les images visuelles associées aux attaques de grisi siknis sont rarement représentées. Elles constituent cependant un répertoire iconique cohérent et sophistiqué. Par une pratique ethnographique expérimentale, en demandant à une série d’affectés de dessiner sur papier ces apparitions, j’ai participé à la mise en évidence de cette tradition iconique de mémoire hallucinatoire. En m’interrogeant sur le statut de ces images, à la fois représentations, résidus somatiques et matrice imaginaire partagée, je propose la notion d’iconographie implicite pour rendre compte de ces traditions où un répertoire iconique figé est transmis en l’absence d’un support externe.

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Poser la couleur : le Centre Pompidou Mobile, la coloration des murs et l’anthropologie

Arnaud Dubois

À partir d’une étude croisée de la littérature savante sur la polychromie antique et industrielle et de données issues d’une enquête de terrain sur une architecture contemporaine qui prend ses distances avec les couleurs fonctionnelles de l’architecture moderniste, cet article montre qu’une approche ethnographique des pratiques coloristes permet de dégager une historiographie largement sous-évaluée des travaux sur l’art coloriste en architecture moderne. En rendant compte des entretiens que j’ai eus avec Patrick Bouchain et Daniel Buren sur leurs positions théoriques sur la coloration des murs et en confrontant leurs réponses aux théoriciens du XIXe siècle en Europe, j’aborde la délicate question de la coloration du Centre Pompidou Mobile. Relève-t-elle ou non d’une démarche « décorative » ?

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Séminaire du 5 janvier : L’espace d’exposition comme écosystème

Pour sa rentrée 2017, Images re-vues a le plaisir de vous convier à la séance du séminaire du 5 janvier :

L’espace d’exposition comme écosystème :

Autour de l’analyse des pratiques de conservation préventive au musée

 

Tiziana Nicoletta Beltrame – LESC

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Cette communication se base sur une enquête ethnographique de deux ans portant sur l’analyse des pratiques de conservation préventive des collections du musée du quai Branly (2014-2016). Ces pratiques contribuent à minimiser les risques de détérioration des objets des collections, tout en essayant de stabiliser la relation entre l’objet et son environnement. Nous observerons ici les modalités de stabilisation entre entités humaines et non-humaines qui cohabitent avec les œuvres à différentes échelles, de l’infrastructure (tel le dispositif de climatisation) à l’infra-mince (telle la poussière). De cette analyse, l’espace muséographique émergera comme écosystème et non comme contenant stable d’objets et de personnes à exposer. Nous verrons ainsi comment les pratiques de conservation préventive contribuent à la construction des temporalités des œuvres.

 

Tiziana Nicoletta Beltrame est docteure en ethnologie, associée au Laboratoire d’Ethnologie et de Sociologie Comparative de l’Université Paris Ouest Nanterre La Défense.

 

Dans le cadre du séminaire d’Images re-vues « objets, techniques, supports».

INHA

salle Walter Benjamin 10h-12h

2 rue Vivienne 75002 Paris

Parution du Hors-Série 6 : Après le tournant iconique

Après le tournant iconique

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coordonné par Tania Vladova

Au centre de ce volume intitulé Après le tournant iconique demeure l’intuition, plutôt que le constat, d’un affaiblissement sinon d’une sortie ou d’une fin du tournant iconique. Tout en gardant à l’esprit les acquis de ce tournant, cela oblige à repenser les rapports entre images et textes en réévaluant l’héritage iconologique et structuraliste. Si sortie il y a, elle n’est pas liée à un quelconque affaiblissement du rôle des images, mais plutôt à la nécessité de changer de perspective, de repenser à nouveaux frais notre rapport à l’art et à la matérialité de ses œuvres, mais aussi de passer outre l’opposition stérile et insoluble entre images et textes qui, dans le manège entre tournant linguistique et tournant iconique, a traversé tout le XXe siècle. Cette sortie ou postérité serait donc liée à une prise de distance libératrice en ce qu’elle permettrait d’adopter une vue synoptique seule capable d’embrasser la complexité du réel.

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Bernard Vouilloux, « La peinture dans la rumeur du langage »

Selon une très ancienne tradition, la peinture, cette « poésie muette », serait vouée au silence. Cette assignation appelle un examen qui se déploie en trois temps : une exploration philologique, tout d’abord, des nombreux mots qui disent l’absence de sons ou l’absence du langage ; une analyse esthético-poétique des conditions sous lesquelles le passage d’un régime des genres (à l’enseigne de l’Ut pictura poesis) à un régime de l’art (définitoire de la modernité) a pu être pensé comme passage d’une peinture parlante ou sonore à une peinture définitivement et radicalement muette ; un réexamen philosophique, enfin, de ce grand paralogisme contemporain qui, sous couleur de dénoncer le logocentrime et l’« impérialisme linguistique », aura évacué la poïèse verbale avec le logos, se privant ainsi des ressources du sens, lequel est lié à la possibilité du langage tout en restant irréductible à la signification linguistique.

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Muriel van Vliet, « Art et langage chez Ernst Cassirer : morphologie et/ou structuralisme ? »

Cet article porte sur le rapport complexe de l’art au langage chez le philosophe allemand Ernst Cassirer (1874-1945) et cela selon trois niveaux distincts de compréhension de son œuvre. L’analyse de l’interprétation cassirerienne du tournant langagier qu’imprima le théoricien du langage Wilhelm von Humboldt au criticisme kantien permet, à un premier niveau, de mieux cerner le rapport de la philosophie des formes symboliques de Cassirer à l’iconologie d’Erwin Panofsky. Mais un second tournant langagier se joue encore chez Cassirer, lui permettant d’approfondir la conception morphologique de la Gestalt propre à Goethe dans la direction du structuralisme naissant, ce qui pourrait fort bien avoir été une des sources de Claude Lévi-Strauss. À un troisième et dernier niveau, cet article propose toutefois d’évaluer non seulement les points de convergence entre l’esthétique de Cassirer et celle du célèbre anthropologue français, mais aussi leurs points de divergence potentielle. Si le symbole est avant tout pour Cassirer un acte impliquant le corps en mouvement qui perçoit et si tout le processus de création du sens s’enracine chez lui dans un processus de symbolisation rituelle, Cassirer se positionnerait plutôt du côté de l’historien de l’art que fut Aby Warburg, tandis que Lévi-Strauss se rapprocherait davantage de Panofsky, dès lors qu’il s’agit de démêler les rapports qu’entretiennent art et langage.

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Jacques Leenhardt, « Sur l’entropie et le paysage : à propos de Robert Smithson »

Avec en toile de fond historique, Hiroshima et le devenir commercial de l’art, Robert Smithson va trouver dans l’idée d’entropie et de désordre croissant, qui excluent l’optimisme des pensées utopiques, une manière nouvelle de pratiquer l’art. Il est urgent pour lui de donner une nouvelle acuité au regard, celui de l’artiste comme celui des spectateurs. Avec une tendresse et une intelligence aiguës, Smithson invente une autre manière de regarder le paysage entropique, cette réalité symbolique de toutes les érosions, physiques comme intellectuelles. Dès lors, dessinant, photographiant et accumulant des traces, l’art réaffirme sa présence au cœur du désastre.

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Filippo Fimiani, « Anti-mémoires. Noms, reflets et écritures »

Arthur Danto affirme que le Vietnam Veterans Memorial de Washington incarne la beauté même de sa signification. Selon lui, cette « beauté interne » à l’œuvre d’art public est à la fois ressentie et lue, car elle est construite comme si elle était un texte et selon la rhétorique de l’enthymème, du syllogisme fondé sur une connaissance tacite et sur un lieu commun largement partagé et fortement probable. Pourtant, la référence à la pulchritudo adherens de Kant et à la philosophie de l’architecture est assez problématique. Danto évoque comme contre-exemple l’autoréférentialité illisible tantôt du Modernisme grenbergien, tantôt du minimalisme environnemental et anti-monumental de Richard Serra, mais l’agentivité de la beauté réelle et partagée du Mémorial est hantée par une logique spectrale de l’incorporation. Ce qui s’incarne dans cette œuvre peut en fait toujours excéder la rhétorique de la reconnaissance supportée par le syllogisme et troubler le cadre identitaire de la communauté donnée, notamment nord-américaine. Les ombres des visiteurs réfléchies et mélangées aux noms sur le mur du Mémorial peuvent devenir des signes-index illisibles et pathétique, ou être aperçues comme une empreinte figurale, éphémère et inquiétante ; finalement, ces images désincarnées peuvent réaliser une incorporation médiale – ce qu’on appellera avec Warburg Verkörperung – de l’arrière-monde, du royaume des morts.

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Georges Roque, « Esquisse d’une rhétorique des interactions verbe-iconiques »

Ce texte a pour objet les relations entre les mots et les images, envisagées à partir des cas les plus fréquents, lorsqu’ils sont combinés dans des énoncés mixtes, c’est-à-dire verbo-iconiques. Leurs interactions sont analysées du point de vue sémantique, afin de comprendre comment chacun des deux aspects contribue à la production du sens de l’énoncé. Ces interactions sont examinées ici sous l’angle restreint de la relation rhétorique. Le choix de cette approche répond à une double motivation : rendre compte de la façon dont les mots et les images interagissent dans certains énoncés verbo-iconiques, mais aussi veiller à montrer que dans ces interactions les mots n’ont pas nécessairement le rôle moteur que l’on continue encore trop souvent de leur attribuer.

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Marie-Aimée Lebreton, « Qu’est-ce qu’une image sonore ? »

La question de l’image sonore est au cœur de la pensée musicale depuis que la musique s’est éloignée de ses conditions initiales autour du 14ème siècle. C’est à partir du moment où elle se constitue en phénomène d’écriture que la musique quitte le plan d’une logique concrète du sensible pour accéder à des enjeux plus spécifiques pour la constitution de son épistémologie. L’image sonore atteste de cette conceptualisation du phénomène sonore. Ecrire une image sonore revient à s’immerger dans la vie d’un son pour en modifier les composantes. Dans cet article, on montrera qua la dimension plastique du son n’est pas donnée dans sa phénoménalité mais se constitue dans le voisinage des techniques assistées par ordinateur. Agir la plasticité du son, envisager ses identités multiples, activer l’image d’un son, dans une prise de forme qui est celle de la transformation morphogénétique doit alors se penser dans un cadre qui envisage la musique non pas du point de vue de l’émotion mais de la spéculation, des configurations et agencements formels spécifiques et singuliers.

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séminaire du 1er décembre : Emma Aubin-Boltanski

Images Re-vues vous invite le 1er décembre 2016 à l’INHA en salle W. Benjamin, de 10h à 12h,  à la nouvelle séance de son séminaire :

La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh

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Emma Aubin-Boltanski

CéSor – EHESS-CNRS

Au Liban et en Syrie, deux espaces politiques étroitement liés en raison de leur histoire et de leur configuration communautaire, un réseau de mystiques chrétiennes s’est constitué depuis le début des années 1980. Ces femmes, qui officient dans leurs appartements ou maisons particulières, ne se fréquentent pas ou très rarement. Elles sont néanmoins liées entre elles par Notre-Dame de Soufanieh, une « icône » miraculeuse dont la reproduction se retrouve chez chacune d’entre elles. L’histoire de cette image commence à Damas en novembre 1982, quelques mois après l’insurrection de Hama, dans un contexte d’extrême violence. S’intéresser à sa biographie, à sa matérialité et à son parcours politique apporte un éclairage sur les modalités de présentification de « la Vierge » qui, ici, exprime et provoque – par un déplacement ténu inattendu – un désordre critique.

Spécialisée en anthropologie religieuse, Emma Aubin-Boltanski est chargée de recherches au CNRS et actuellement rattachée au Centre d’études en sciences sociales du religieux (CéSor). Elle est l’auteure de Prophètes, héros et ancêtres. Pèlerinages et nationalisme en Palestine (Paris : Éditions de l’EHESS, 2007). Depuis 2006, elle s’intéresse aux attentes eschatologiques, aux apparitions mariales et aux expériences mystiques au Liban et en Syrie. Elle a co-dirigé deux ouvrages collectifs – Penser la Fin du monde (avec Claudine Gauthier, CNRS Editions, 2014) et Croire en actes (avec Anne-Sophie Lamine et Nathalie Luca, l’Harmattan, 2014) – et fait paraître plusieurs articles dans des revues scientifiques de renom telle que L’Homme, Terrain, Archives des Sciences sociales des religions et Social Compass. En 2012, elle a réalisé deux films : Catherine ou le corps de la Passion (57’) et Catherine de Nab’a. Visionnaire de Beyrouth (12’).

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Dans le cadre du séminaire d’images re-vues « objets, techniques, supports ».

entrée libre

Programme du séminaire 2016-2017

Séminaire d’images re-vues 2016-2017

« Objets, techniques, supports »

 

Le séminaire a lieu le premier jeudi du mois de 10h-12h dans la salle W. Benjamin à l’INHA, 6 Rue des Petits Champs, 75002 Paris

 

Séances

3 novembre : Francesca Aceto (EHESS – Anthropologie historique du long Moyen Âge)
« Jouer avec les supports au XVe siècle. Quelques études de cas »

1er décembre : Emma Aubin-Boltanski  (EHESS – Centre d’études en sciences sociales du religieux)
« La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh » (sous réserve de modification)

5 janvier : Tiziana Beltrame (LESC)
« L’espace d’exposition comme écosystème : analyse des pratiques de conservation préventive au musée »

2 février : Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud (CNRS Institut des mondes africains – Institut National du Patrimoine)
« Une archéologie des icônes éthiopiennes : matériaux, techniques et auctorialité au XVe siècle»

 

2 mars : Maddalena Canna (EHESS – Laboratoire d’anthropologie sociale,)
« Des images en quête de supports : l’iconographie implicite de la crise hallucinatoire grisi siknis »

 

6 avril : Maria Georgilaki (EHESS – Centre d’Histoire et de Théorie des Arts)
« Les annotations du Greco sur Vitruve »

 

4 mai : séance commune d’Arnaud Dubois (Musée des arts et métiers)
« Poser la couleur. Le Centre Pompidou mobile, la coloration des murs et l’anthropologie de l’art »

 

avec Adeline Grand-Clément (Université de Toulouse II)
« L’épiderme des statues grecques. Quand le marbre se fait chair »

 

 

Les organisatrices du séminaire :

Doina CRACIUN

Bénédicte DUVERNAY

Bérénice GAILLEMIN

Élise LEHOUX

Vasso ZACHARI

 

Pour IMAGES re-VUES (http://imagesrevues.revues.org/)

Appel à contributions : Les images vivent aussi

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques

Numéro coordonné par Bérénice Gaillemin et Elise Lehoux

 

En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Strathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues.

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017 (NB : l’acceptation d’une proposition d’article ne dispense pas de la soumission définitive de l’article au comité scientifique). Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux[at]orange.fr et bgaillemin[at]gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative :

Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.

Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.

Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.

Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.

Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.

Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.

Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.

Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, 1990, p. 157-178.(http://townsendgroups.berkeley.edu/sites/default/files/strathern_artifacts_of_history.pdf)

Séminaire du 13 mai : Guillaume Mazeau, les fêtes révolutionnaires

GUILLAUME MAZEAU

LES FÊTES REVOLUTIONNAIRES : PERFORMANCE, IMAGES ET POLITIQUE, 1790-1799

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13 mai 2016, 10h-12h

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

salle Mariette

De Mona Ozouf (La fête révolutionnaire, 1796) à Richard Taws (The Politics of the Provisional, 2013), les fêtes ont été régulièrement étudiées par les historiens de la période révolutionnaire. De nombreuses questions peuvent encore être posées, en raison des récents progrès des travaux portant sur la sociologie des publics, mais aussi des sciences politiques et des études visuelles, qui permettent de remettre les fêtes au centre d’une histoire des crises politiques. Quel rôle les fêtes jouent-elles dans la fabrique du lien commun et de l’adhésion politique ? Dans quelle mesure procèdent-elles d’une mise en spectacle différente de celle de la monarchie absolue ? Nous nous concentrerons ici en particulier sur le rôle que jouent les images de ces fêtes dans la structuration d’un nouvel espace politique.

Guillaume Mazeau, historien de la Révolution française. Auteur du Bain de l’Histoire (Champ Vallon, 2009) ; de Pour quoi faire la Révolution (Agone, 2012) ; va publier une édition critique du Journal d’Adrien Duquesnoy, député aux Etats généraux, sous le titre d’Un révolutionnaire malgré lui (Mercure de France, 2016). S’intéresse aux liens entre sciences sociales, art et politique. A récemment collaboré avec Joël Pommerat pour sa pièce Ca Ira (1) Fin de Louis (2015). Travaille actuellement à un livre d’essais sur la Révolution française (Fayard, 2017) et développe un chantier sur le rôle de la vision et de l’observation dans les recompositions politiques de la fin du XVIIIe siècle.

Entrée libre

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet : Images, crise, politique

Séminaire : 14 avril, Images et impiété dans le monde grec antique

SEMINAIRE DU 14 AVRIL 2016

INHA, salle Fabri de Peiresc, 10h-12h

Images et impiété dans le monde grec antique

Jean-Noël Allard

 

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La civilisation grecque est une civilisation de l’image. L’importance religieuse des images dans ce monde est d’ailleurs bien connue. Non seulement elles relayaient les innombrables mythes sur lesquels reposaient les croyances des Grecs, mais étaient aussi les supports du culte. Les statues, en particulier, constituaient une voie d’accès privilégiée à la divinité. Dans un tel cadre, l’atteinte à l’image pouvait être pensée comme une atteinte à la divinité. Mais la question des relations entre image et impiété dans le monde grec ne saurait se réduire à la seule profanation des images. L’historiographie a beaucoup insisté sur la tolérance de cette religion sans révélation ni dogme qu’était le polythéisme grec rendant en quelque sorte incongrue l’idée qu’une image ait pu être jugée inacceptable d’un point de vue religieux. Pourtant, comme les recherches les plus récentes l’ont démontré, tout n’était pas permis en matière religieuse. Que certaines représentations aient offensé la divinité ou bafoué le culte n’est donc pas impensable. Dans les faits, il est extrêmement difficile d’en déceler. Si, par exemple, de nombreuses images peintes sur des céramiques mettent en scène des actes sacrilèges, il ne convient pas de les considérer comme impies car elles condamnaient davantage l’impiété qu’elles ne la répercutaient.

Jean-Noël Allard est docteur en histoire de l’Antiquité grecque. Sa thèse portait sur « la dérision et le politique à Athènes à l’époque classique », dirigée par Pauline Schmitt Pantel et soutenue l’an dernier à l’Université de Paris I. Il est actuellement ATER à l’Université Toulouse – Jean Jaurès et rattaché au laboratoire ANHIMA (Anthropologie et Histoire des Mondes Antiques).

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : Image, crise, politique, organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

Entrée libre.

Séminaire du 10 mars 2016 : conférence-performance d’Andrea Morbio et Riccardo Giacconi

Andrea Morbio et Riccardo Giacconi, sur invitation de Bénédicte Duvernay

 

Une histoire de marionnettes. Variations sur Simone Pianetti (1858 – ?)

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Conférence-Performance, séance exceptionnelle du séminaire d’Images Re-vues

JEUDI 10 MARS 2016

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Salle Fabri de Peiresc

10h-12h

entrée libre

Le 13 juillet 1914, dans un village de l’Italie du nord, Simone Pianetti tua sept personnes auxquelles il attribuait la responsabilité de sa faillite économique. Parmi les victimes se trouvent le prêtre et le médecin du village, le secrétaire de la mairie et sa fille, un juge de paix, un huissier et une vieille paysanne. Après le massacre, Pianetti se réfugia dans les montagnes qui entouraient le village où l’on perdit définitivement sa trace. L’année suivante, il fut jugé par contumace par le Tribunal de Bergame qui le condamna à perpétuité, mais il ne purgea jamais sa peine. Cette histoire de vengeance, qui avait été diffusée d’abord par la presse nationale italienne, fut la source d’inspiration de nombreux artistes populaires qui représentaient Simone Pianetti à la fois comme un bandit et comme un assassin féroce. Pour les marionnettistes lombards, qui ont mis en scène son histoire à partir des années 1930, Pianetti devint au contraire un héros, la victime d’un complot organisé par les notables du village, qui le poussèrent à commettre un acte de justice individuel sanglant.

L’anthropologue Andrea Morbio et l’artiste Riccardo Giacconi ont mené une enquête de terrain dans le village près de Bergame où la vengeance s’était déroulée et ont également étudié un spectacle du marionnettiste italien Giacomo Onofrio, consacré à l’histoire de Simone Pianetti. Ils présenteront une conférence-performance à partir des documents audiovisuels qu’ils ont pu réaliser dans le cadre de leur recherche. Celle-ci s’inscrit à la suite de celles qui ont eu lieu, entre autres, à l’Académie Royale de La Haye (2015), à Tranzitdisplay, Prague (2014) et au MACRO de Rome (2013).

Andrea Morbio est né en 1984 à Montichiari (Italie). Il a rédigé un mémoire à l’EHESS de Paris sous la direction de Carlo Severi. Il travaille actuellement en tant qu’ethnographe pour la société Enov. Il a reçu le Prix de l’Atelier d’écriture documentaire de l’EHESS et CNRS Images en 2012.

Riccardo Giacconi (né en 1985) a étudié l’art à l’Université IUAV de Venise. Son travail a été présenté dans différents expositions et festivals de cinéma. En 2015 il a reçu le Grand Prix de la Compétition Internationale du Festival International de Cinema FIDMarseille.

 

Image : “Foglio volante” about Simone Pianetti, by cantastorie Camillo Marulli

 

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Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : images, crise, politique, organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

http://imagesrevues.revues.org/

Séminaire de février 2016 : Pierre-Olivier Dittmar et Maud Perez Simon

Maud Perez-Simon, Pierre-Olivier Dittmar

« Je est un monstre »
 
Cannibalisme aristocratique et monstruosité politique dans Les Monstres des hommes 
(BnF fr. 15106)
11 Février 2016
INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
Salle Fabri de Peiresc
10h-12h
entrée libre
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Au XIIIe siècle un auteur qui nous est resté inconnu écrit un bestiaire monstrueux moralisé en vers. Surprenant, cet ouvrage l’est à plusieurs égards. La rhétorique et la langue de ce texte très particulier ont toujours été dénigrées par la critique, il en va d’ailleurs de même pour les images, alors que sa geste, à la fois violente et sensuelle, multipliant les adresses au lecteur et les performances verbales, donne un incroyable sentiment de présence. L’originalité du texte est aussi de proposer une moralisation politique et sociale des monstres d’Orient grâce à une structure rhétorique très ferme : les vrais monstres sont les hommes d’occident, et plus particulièrement les nobles. L’ouvrage est un véritable appel à la révolte, rappelant l’origine commune de tous les hommes, descendant l’Adam, et dénigrant tous les puissants, des nobles (cannibales) aux avocats et même au pape.
Dans ce manuscrit, la rhétorique est constituée du verbal et du visuel, grâce à leur mise en regard constante. L’auteur joue à plusieurs reprises sur l’étymologie et sur l’ambivalence du terme monstre, comme dans la phrase suivante : « Mais, encore un instant ! Je veux parler d’un autre monstre, que bientôt je vous monstre, en parole et en peinture ». Le « monstre » est celui qui est là pour nous « montrer » quelque chose, il participe donc à la dé-monstration.
Maud Perez-Simon est maîtresse de conférences en littérature médiévale à l’Université Sorbonne-Nouvelle Paris 3, spécialiste du rapport texte-image. Elle a publié Mise en roman et mises en images, les manuscrits du Roman d’Alexandre en prose, Champion 2015.
Pierre-Olivier Dittmar est maître de conférences en anthropologie médiévale à l’EHESS, spécialiste de l’animalité et des images médiévales. Il a notamment publié avec Gil Bartholeyns et Vincent Jolivet, Image et transgression au Moyen âge, Paris, Presses Universitaires de France (Lignes d’Art), 2008
Ils préparent ensemble l’édition de Les monstres des hommes, nouvelle édition et traduction du BnF fr. 15106, à paraître chez Champion classique
Image : Bnf, ms français 15106,  f.12
Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : Image, crise, politique, dirigé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

Séminaire du 5 novembre : La Biennale de Venise

5 novembre 2015

INHA, salle Fabri de Peiresc

10h – 12h

photo :The Biennalist http://biennalist.blogspot.com.br

All the World’s Futures.

La 56e Biennale de Venise.

Présentation et débat proposés par

Thomas Golsenne

 

« La 56e Exposition de la Biennale de Venise 2015 utilisera comme Filtre la trajectoire historique que la Biennale elle-même a parcourue pendant ses 120 ans d’existence ; un Filtre à travers duquel il sera possible de réfléchir à l’actuel “état des choses” et à l’“apparence des choses”. La question principale posée par l’exposition est la suivante : de quelle façon les artistes, les philosophes, les écrivains, les compositeurs, les chorégraphes, les chanteurs et les musiciens, à travers des images, des objets, des paroles, des mouvements, des actions, des textes et des sons, peuvent rassembler des publics pour les faire écouter, réagir, se rassembler et parler, afin de donner un sens aux soubresauts de ce temps ? Quels matériaux symboliques et esthétiques, quels actes politiques ou sociaux seront produits dans cet espace dialectique de références pour donner forme à une exposition qui refuse d’être confinée aux limites des modèles conventionnels d’exposition ? Dans All the World’s Futures le curateur lui-même, avec les artistes, les activistes, le public et les participants en tout genre seront les protagonistes centraux de l’orchestration ouverte de ce projet. »

Okwui Enwezor, curateur de la 56e Biennale de Venise

 

Okwui Enwezor (né en 1963 à Calabar, Nigéria) est un des plus grands commissaires d’exposition à l’heure actuelle. Après un diplôme en sciences politiques à la New Jersey City University, il a beaucoup fait pour développer la reconnaissance de l’art africain sur la scène mondiale. Il a fondé le Journal of Contemporary African Art et organisé de nombreuses expositions dans ce domaine, notamment The Short Centiry : Independence and Liberation Movements in Africa, 1945-1994 (2002, New York). Il a dirigé plusieurs biennales internationales marquantes, comme la Documenta 11 (2002, Kassel), La Triennale. Intense proximité (2012, Paris).

Thomas Golsenne est historien et théoricien de l’art, professeur d’histoire des arts visuels à la Villa Arson à Nice, membre du comité de rédaction d’Images Re-vues.

 

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues 2015/2016 : Images, art, crise

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Entrée libre

 

Séminaire du 7 mai : Reprise et Révolution, avec Annabela Tournon

7 mai 2015

INHA, salle Fabri de Peiresc

10h – 12h

 

Reprise et révolution.

La récupération d’une iconographie nationale dans le travail des artistes des grupos (Mexique, années 1970)

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Annabela Tournon

Cette intervention propose de comprendre les modalités de la reprise d’une iconographie nationale et révolutionnaire dans le travail des artistes des grupos, à la fin des années 1970 au Mexique.

Cette réappropriation des symboles nationaux n’allait pas de soi, si on prend en compte le rejet initial, par cette génération d’artistes, des symboles et des idéaux accaparés par le Parti Révolutionnaire Institutionnel, issu de la Révolution de 1910.

Pour la comprendre, nous tenterons de voir dans quelle mesure ont pu peser les trois événements suivants, qui seront autant d’hypothèses : le mouvement universitaire de 1968, la lutte pour les droits civiques aux Etats-Unis, et la Révolution sandiniste dont les grupos ont été les contemporains, en 1979.

Notons que la question de la reprise d’une iconographie nationale élaborée par les artistes de la période postrévolutionnaire, notamment muralistes, rencontre inévitablement celle de la néo-avant-garde. Question largement débattue en histoire de l’art, quoique souvent restreinte à ses terrains européens et nord-américains.

C’est donc aussi à ce dossier que peut contribuer la question, sinon du retour de la révolution, du moins de sa reprise, plastique et discursive, dans les années 1970 au Mexique.

Annabela Tournon prépare actuellement un doctorat en histoire de l’art (EHESS/CEHTA) consacré aux grupos : artistes, militants, enseignants et théoriciens, actifs dans les années 1970 au Mexique.

Elle codirige avec Mauricio Marcín la revue bilingue TADA, et mène divers projets curatoriaux en France et au Mexique. Elle est chargée de cours en histoire de l’art à l’université Paris 1.

 

Entrée libre