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Appel à contributions : Les images vivent aussi

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques

Numéro coordonné par Bérénice Gaillemin et Elise Lehoux

 

En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Strathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues.

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017 (NB : l’acceptation d’une proposition d’article ne dispense pas de la soumission définitive de l’article au comité scientifique). Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux[at]orange.fr et bgaillemin[at]gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative :

Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.

Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.

Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.

Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.

Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.

Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.

Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.

Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, 1990, p. 157-178.(http://townsendgroups.berkeley.edu/sites/default/files/strathern_artifacts_of_history.pdf)

Appel a articles : des categories a l'œuvre

Des catégories à l’œuvre. Appel à articles pour le numéro 11 d’images re-vues

Faisant usage de l’écrit pour analyser l’ordre des images, nous traversons à chaque fois un milieu pour accéder à un autre, utilisant les images du langage pour deviner les langages de l’image ou de l’objet. C’est ainsi que nous établissons des catégories, que nous reconstituons des genres, que nous définissons des cadres ou que nous décrivons des registres de la représentation, pour que ce dont nous parlons corresponde à ce que nous voyons, ou croyons voir. Ce numéro cherche à cerner, dans le discours explicite ou implicite, sur l’art ou l’image, la nécessité de la catégorisation.

Pour partir d’un exemple dont l’évidence masque la nécessité discursive qu’il entoure, le cadre forme la syntaxe d’un croisement entre catégorie et image. Il apparaît avec la fenêtre perspective, le triomphe de la maniera moderna, et la définition simultanée de l’archaïque et du maniériste ; il affirme le médium et son art. Alors que le peintre se veut libéral, sa pratique encadrée fera système dans l’ordre des Beaux-arts, celui-là même que le modernisme remettra en cause pour imposer son historicité et ses structures (qui reconduisent sans doute la nécessité du cadre, pensons à l’impératif des manifestes ou à l’englobant neutre du white cube). Et passé le comble d’une post-catégorie, nous cherchons souvent, aujourd’hui, à revenir à la stabilité d’une description de l’œuvre par son médium. Ailleurs, à l’occasion des représentations d’avant la spéculation renaissante, ou du « dehors » de cultures parallèles à la nôtre, d’autres questions se soulèvent, faisant appels à des savoirs qui prennent le relais de l’histoire de l’art mais restent probablement marqués par nos façons de voir.

Si les visual studies déchiffrent des catégories directement au travail dans l’image pendant que l’esthétique cherche à lire celles qui forment, à travers l’histoire et la pensée, l’œuvre d’art, il s’agirait ici, en tenant compte de ces précédents, de se focaliser sur l’équation qui voit l’œuvre – ou le rituel, le rêve ou le débordement psychotrope – comme résultat d’une combinaison de l’image ou de l’objet avec la catégorie. À quels moments nos données, exposées à des choix épistémologiques pratiques, bousculent le plan de leur analyse jusqu’à une possible altération du « sujet » ?

Il y a probablement du genre, du cadre ou de la catégorie en jeux dans chacune de nos études. Et ce dossier d’Images Re-vues rassemblerait, depuis l’objet ou l’image – ou depuis les différences entre image et objet alors transformés en « catégories » –, des exemplifications de ces détours où affleure ce qui interroge et justifie nos disciplines et nos typologies.

Propositions d’articles : jusqu’au 30 Avril 2012

Contact :

cadregenrecat(arobace)gmail(pt)com

Inactualité de l'ornement

Dossier du numéro 11 : Inactualité de l’ornement
(Envoi des propositions : 1er septembre 2010 ou envoi des articles : 31 octobre 2010)

« Si l’ornement est un crime, alors je suis un criminel », a dit Wim Delvoye il y a une dizaine d’années. Il est loin aujourd’hui le temps où l’ornement était banni des arts d’avant-garde, celui d’Adolf Loos et de son fameux essai « Ornement et crime » de 1908, celui de Kandinsky qui évoquait les dangers décoratifs dans lesquels pouvait tomber la peinture abstraite. Un des effets du postmodernisme aura sans doute consisté à réconcilier les arts et l’ornement, le superficiel, l’apparence, le kitch. Il a pu permettre aussi de revaloriser les mouvements artistiques historiques ou exotiques caractérisés par leur profonde ornementalité (l’art roman, le baroque, la parure océanienne, l’art islamique). On peut énoncer quelques raisons à ce changement radical. D’abord une volonté de rupture avec le diktat moderniste de la forme pure – avec Greenberg pour tout dire ; mais, plus philosophiquement, le rejet du règne de l’essence au profit de l’apparence – le regain d’intérêt pour Nietzsche en est le symptôme. Ensuite une forme d’abandon des utopies avant-gardistes (comme des utopies tout court), des arrières-mondes (pour rester avec Nietzsche) et un certain épicurisme, un vitalisme, qui parfois se concrétise en simple acceptation cynique de la société de consommation. Enfin une ouverture aux autres cultures, à l’époque de la décolonisation et du Lévi-Strauss de Race et histoire, où l’ornement occupait depuis longtemps la place réservée à l’art dans la civilisation occidentale. En fin de compte le postmodernisme ne pourrait-il pas se définir tout simplement comme le triomphe de l’ornement ? Sommes-nous toujours dans ce régime ? L’ornement règne-t-il en maître, pour le meilleur et pour le pire, dans le monde d’aujourd’hui ? Ce numéro a pour fin première de questionner l’inactualité de l’ornement, au sens nietzschéen, c’est-à-dire d’interroger son rôle dans les relations entre histoire et devenir, représentation et production – mais aussi au sens courant, c’est-à-dire d’interroger l’histoire et la théorie de l’art ancien ou les objets visuels extra-occidentaux, afin de mieux cerner, par le détour de l’histoire et de l’anthropologie, la puissance que nous attribuons à l’ornement. Il a pour but second de revisiter l’histoire du modernisme et du postmodernisme par le prisme ornemental. Il a pour ambition ultime de diagnostiquer le rapport du contemporain à l’ornement : dans le monde artistique, la société, la philosophie – en croisant les données recueillies par des chercheurs en histoire de l’art et en esthétique, en sociologie et en anthropologie, en philosophie et en économie, etc. Les propositions d’articles ne devront pas comporter moins de 1000 mots ; les articles ne devront pas dépasser 95000 signes.

Coordination du numéro : Thomas Golsenne

thomas.golsenne@free.fr

Parenté en images

dossier du numero 10 : Parenté en images.
(envoi des articles avant le 15 septembre 2010)

« La parenté, c’est un procédé taxinomique qui porte sur l’humain, et qui trie entre nos ‘semblables’ et les autres dans l’ensemble des individus qui sont réellement ou putativement liés entre eux par la naissance ou par le mariage.Mais ce, sans jamais que l’identité commune qu’elle postule résulte immédiatement de la filiation, de la consanguinité ou de l’alliance » (Laurent Barry, La parenté, 2008). Familles recomposées, transformation de l’alliance matrimoniale en lien temporaire, et gestation pour autrui : les modifications qui se sont opérées au sein des liens de parenté à la fin du XXe et au début du XXIe siècle nous ont amenés à réviser nos définitions de ce qu’était la parenté. Dans ce contexte de bouleversement, en quoi les images peuvent penser la représentation, voire la constitution d’un système ou d’un lien de parenté particulier ? Est-ce que les images donnent à voir la différence entre parenté biologique et parenté sociale ? En regard, l’étude des images utilise abondamment depuis longtemps la métaphore de la parenté comme outil d’analyse. On parle d’images apparentées, de filiation dans une série d’images. Que signifie la définition en termes de parenté la relation entre plusieurs images ? Ne s’agit-il que d’une certaine définition de la ressemblance ? Peut-on définir ce que cet usage apporte à la définition de la parenté ? L’enjeu de ce numéro serait de confronter les approches anthropologiques, sociologiques, historiques, pour tenter de comprendre les images de la parenté mais aussi la parenté des images. Pluridisciplinaire et ouvert à toutes les périodes historiques, et aires géographiques, il privilégiera les dossiers qui invitent à repenser de manière critique la définition de la parenté. La description des images-sœurs, l’analyse de la filiation entre les images et leurs auteurs, devront être traitées de manière à proposer une véritable définition de ce que l’on entend alors par « parenté ». Enfin, une attention particulière sera prêtée à la manière dont peuvent être figurées les formes de parenté les plus singulières (liens de parenté inversés, réprouvés ou refoulés) mais aussi les pseudo-parentés, la parenté spirituelle, ou fondée sur les pratiques de soin et de partage alimentaire, etc. « Comment n’aurait-il pas été mien, lui qui fut mon frère par le sang, mon fils par la profession religieuse, mon père par la sollicitude, mon compagnon par l’accord de nos esprits, mon intime par l’affection ? » (Bernard de Clairvaux, Sermons sur le Cantique).

Coordination du numéro : Chloé Maillet

chloemaillet@yahoo.com

Figurer les invisibles

Dossier du numéro 9 : Figurer les invisibles

(Envoi des articles avant le 31 mars 2010)

« L’art ne reproduit pas le visible : il rend visible ». Cette phrase de P. Klee (dans « le Credo du créateur »), devenue depuis sujet classique de philosophie esthétique, conserve toute sa fécondité si l’on dépasse la seule tradition de l’histoire de l’art occidental. Cette dimension élémentaire de l’œuvre – non pas seulement qu’elle soit visible, ou plus largement perceptible, mais qu’elle rende perceptible ce qui avant ne l’était pas ou l’était difficilement – peut se révéler essentielle dans le contexte d’une relation entre les hommes et les autres catégories d’êtres (dieux, esprits, fantômes, animaux, ancêtres, etc.) qui peuplent le monde. La « figuration » est ici entendue au sens que lui donne P. Descola d’« opération universelle au moyen de laquelle un objet matériel quelconque est investi de façon ostensible d’une « agence » (au sens de l’anglais agency) socialement définie suite à une action de façonnage, d’aménagement, d’ornementation ou de mise en situation ». Simplement, au lieu d’analyser comme cet auteur en quoi la modalité figurative adoptée par une société renseigne sur son ontologie, on s’intéressera à ce qu’implique l’acte de figurer pour une relation avec les invisibles. L’interdit sur la représentation divine dans les trois monothéismes est l’exemple classique que cet acte n’est jamais neutre. En Amazonie, il est fréquent que la guérison passe par l’identification et l’ostentation de l’esprit responsable de la maladie lors de fêtes des masques. La rencontre d’un esprit arutam, essentielle à l’accomplissement d’une vie d’homme chez les Indiens Jivaro, se signale ensuite par des peintures faciales. Quelles sont donc les motivations qui président à la figuration des êtres invisibles ? Une attention particulière sera prêtée aux contextes de production et d’usage des objets. Qui produit et pour qui ? Quels procédés sont-ils employés, et sont-ils fixes ? Quelle relation y a-t-il entre l’être figuré et la technique et la forme de sa représentation ? L’effet d’agence est-il toujours induit par un rapport iconique entre l’objet et son prototype ? Quelle part est-elle laissée à l’imagination, aux images mentales du producteur et du spectateur ? Enfin la façon dont ces objets sont utilisés – notamment lors des rituels – influe-t-elle sur leur appréhension sensible ?

Coordination du numéro : Sophie Moiroux et Emmanuel de Vienne

sophie_m_m@yahoo.fr emmanueldevienne@googlemail.com