séminaire du 1er décembre : Emma Aubin-Boltanski

Images Re-vues vous invite le 1er décembre 2016 à l’INHA en salle W. Benjamin, de 10h à 12h,  à la nouvelle séance de son séminaire :

La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh

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Emma Aubin-Boltanski

CéSor – EHESS-CNRS

Au Liban et en Syrie, deux espaces politiques étroitement liés en raison de leur histoire et de leur configuration communautaire, un réseau de mystiques chrétiennes s’est constitué depuis le début des années 1980. Ces femmes, qui officient dans leurs appartements ou maisons particulières, ne se fréquentent pas ou très rarement. Elles sont néanmoins liées entre elles par Notre-Dame de Soufanieh, une « icône » miraculeuse dont la reproduction se retrouve chez chacune d’entre elles. L’histoire de cette image commence à Damas en novembre 1982, quelques mois après l’insurrection de Hama, dans un contexte d’extrême violence. S’intéresser à sa biographie, à sa matérialité et à son parcours politique apporte un éclairage sur les modalités de présentification de « la Vierge » qui, ici, exprime et provoque – par un déplacement ténu inattendu – un désordre critique.

Spécialisée en anthropologie religieuse, Emma Aubin-Boltanski est chargée de recherches au CNRS et actuellement rattachée au Centre d’études en sciences sociales du religieux (CéSor). Elle est l’auteure de Prophètes, héros et ancêtres. Pèlerinages et nationalisme en Palestine (Paris : Éditions de l’EHESS, 2007). Depuis 2006, elle s’intéresse aux attentes eschatologiques, aux apparitions mariales et aux expériences mystiques au Liban et en Syrie. Elle a co-dirigé deux ouvrages collectifs – Penser la Fin du monde (avec Claudine Gauthier, CNRS Editions, 2014) et Croire en actes (avec Anne-Sophie Lamine et Nathalie Luca, l’Harmattan, 2014) – et fait paraître plusieurs articles dans des revues scientifiques de renom telle que L’Homme, Terrain, Archives des Sciences sociales des religions et Social Compass. En 2012, elle a réalisé deux films : Catherine ou le corps de la Passion (57’) et Catherine de Nab’a. Visionnaire de Beyrouth (12’).

***

Dans le cadre du séminaire d’images re-vues « objets, techniques, supports ».

entrée libre

Programme du séminaire 2016-2017

Séminaire d’images re-vues 2016-2017

« Objets, techniques, supports »

 

Le séminaire a lieu le premier jeudi du mois de 10h-12h dans la salle W. Benjamin à l’INHA, 6 Rue des Petits Champs, 75002 Paris

 

Séances

3 novembre : Francesca Aceto (EHESS – Anthropologie historique du long Moyen Âge)
« Jouer avec les supports au XVe siècle. Quelques études de cas »

1er décembre : Emma Aubin-Boltanski  (EHESS – Centre d’études en sciences sociales du religieux)
« La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh » (sous réserve de modification)

5 janvier : Tiziana Beltrame (LESC)
« L’espace d’exposition comme écosystème : analyse des pratiques de conservation préventive au musée »

2 février : Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud (CNRS Institut des mondes africains – Institut National du Patrimoine)
« Une archéologie des icônes éthiopiennes : matériaux, techniques et auctorialité au XVe siècle»

 

2 mars : Maddalena Canna (EHESS – Laboratoire d’anthropologie sociale,)
« Des images en quête de supports : l’iconographie implicite de la crise hallucinatoire grisi siknis »

 

6 avril : Maria Georgilaki (EHESS – Centre d’Histoire et de Théorie des Arts)
« Les annotations du Greco sur Vitruve »

 

4 mai : séance commune d’Arnaud Dubois (Musée des arts et métiers)
« Poser la couleur. Le Centre Pompidou mobile, la coloration des murs et l’anthropologie de l’art »

 

avec Adeline Grand-Clément (Université de Toulouse II)
« L’épiderme des statues grecques. Quand le marbre se fait chair »

 

 

Les organisatrices du séminaire :

Doina CRACIUN

Bénédicte DUVERNAY

Bérénice GAILLEMIN

Élise LEHOUX

Vasso ZACHARI

 

Pour IMAGES re-VUES (http://imagesrevues.revues.org/)

Appel à contributions : Les images vivent aussi

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques

Numéro coordonné par Bérénice Gaillemin et Elise Lehoux

 

En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Strathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues.

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017 (NB : l’acceptation d’une proposition d’article ne dispense pas de la soumission définitive de l’article au comité scientifique). Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux[at]orange.fr et bgaillemin[at]gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative :

Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.

Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.

Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.

Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.

Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.

Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.

Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.

Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, 1990, p. 157-178.(http://townsendgroups.berkeley.edu/sites/default/files/strathern_artifacts_of_history.pdf)

Séminaire du 13 mai : Guillaume Mazeau, les fêtes révolutionnaires

GUILLAUME MAZEAU

LES FÊTES REVOLUTIONNAIRES : PERFORMANCE, IMAGES ET POLITIQUE, 1790-1799

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13 mai 2016, 10h-12h

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

salle Mariette

De Mona Ozouf (La fête révolutionnaire, 1796) à Richard Taws (The Politics of the Provisional, 2013), les fêtes ont été régulièrement étudiées par les historiens de la période révolutionnaire. De nombreuses questions peuvent encore être posées, en raison des récents progrès des travaux portant sur la sociologie des publics, mais aussi des sciences politiques et des études visuelles, qui permettent de remettre les fêtes au centre d’une histoire des crises politiques. Quel rôle les fêtes jouent-elles dans la fabrique du lien commun et de l’adhésion politique ? Dans quelle mesure procèdent-elles d’une mise en spectacle différente de celle de la monarchie absolue ? Nous nous concentrerons ici en particulier sur le rôle que jouent les images de ces fêtes dans la structuration d’un nouvel espace politique.

Guillaume Mazeau, historien de la Révolution française. Auteur du Bain de l’Histoire (Champ Vallon, 2009) ; de Pour quoi faire la Révolution (Agone, 2012) ; va publier une édition critique du Journal d’Adrien Duquesnoy, député aux Etats généraux, sous le titre d’Un révolutionnaire malgré lui (Mercure de France, 2016). S’intéresse aux liens entre sciences sociales, art et politique. A récemment collaboré avec Joël Pommerat pour sa pièce Ca Ira (1) Fin de Louis (2015). Travaille actuellement à un livre d’essais sur la Révolution française (Fayard, 2017) et développe un chantier sur le rôle de la vision et de l’observation dans les recompositions politiques de la fin du XVIIIe siècle.

Entrée libre

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet : Images, crise, politique

Séminaire : 14 avril, Images et impiété dans le monde grec antique

SEMINAIRE DU 14 AVRIL 2016

INHA, salle Fabri de Peiresc, 10h-12h

Images et impiété dans le monde grec antique

Jean-Noël Allard

 

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La civilisation grecque est une civilisation de l’image. L’importance religieuse des images dans ce monde est d’ailleurs bien connue. Non seulement elles relayaient les innombrables mythes sur lesquels reposaient les croyances des Grecs, mais étaient aussi les supports du culte. Les statues, en particulier, constituaient une voie d’accès privilégiée à la divinité. Dans un tel cadre, l’atteinte à l’image pouvait être pensée comme une atteinte à la divinité. Mais la question des relations entre image et impiété dans le monde grec ne saurait se réduire à la seule profanation des images. L’historiographie a beaucoup insisté sur la tolérance de cette religion sans révélation ni dogme qu’était le polythéisme grec rendant en quelque sorte incongrue l’idée qu’une image ait pu être jugée inacceptable d’un point de vue religieux. Pourtant, comme les recherches les plus récentes l’ont démontré, tout n’était pas permis en matière religieuse. Que certaines représentations aient offensé la divinité ou bafoué le culte n’est donc pas impensable. Dans les faits, il est extrêmement difficile d’en déceler. Si, par exemple, de nombreuses images peintes sur des céramiques mettent en scène des actes sacrilèges, il ne convient pas de les considérer comme impies car elles condamnaient davantage l’impiété qu’elles ne la répercutaient.

Jean-Noël Allard est docteur en histoire de l’Antiquité grecque. Sa thèse portait sur « la dérision et le politique à Athènes à l’époque classique », dirigée par Pauline Schmitt Pantel et soutenue l’an dernier à l’Université de Paris I. Il est actuellement ATER à l’Université Toulouse – Jean Jaurès et rattaché au laboratoire ANHIMA (Anthropologie et Histoire des Mondes Antiques).

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : Image, crise, politique, organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

Entrée libre.

Séminaire du 10 mars 2016 : conférence-performance d’Andrea Morbio et Riccardo Giacconi

Andrea Morbio et Riccardo Giacconi, sur invitation de Bénédicte Duvernay

 

Une histoire de marionnettes. Variations sur Simone Pianetti (1858 – ?)

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Conférence-Performance, séance exceptionnelle du séminaire d’Images Re-vues

JEUDI 10 MARS 2016

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Salle Fabri de Peiresc

10h-12h

entrée libre

Le 13 juillet 1914, dans un village de l’Italie du nord, Simone Pianetti tua sept personnes auxquelles il attribuait la responsabilité de sa faillite économique. Parmi les victimes se trouvent le prêtre et le médecin du village, le secrétaire de la mairie et sa fille, un juge de paix, un huissier et une vieille paysanne. Après le massacre, Pianetti se réfugia dans les montagnes qui entouraient le village où l’on perdit définitivement sa trace. L’année suivante, il fut jugé par contumace par le Tribunal de Bergame qui le condamna à perpétuité, mais il ne purgea jamais sa peine. Cette histoire de vengeance, qui avait été diffusée d’abord par la presse nationale italienne, fut la source d’inspiration de nombreux artistes populaires qui représentaient Simone Pianetti à la fois comme un bandit et comme un assassin féroce. Pour les marionnettistes lombards, qui ont mis en scène son histoire à partir des années 1930, Pianetti devint au contraire un héros, la victime d’un complot organisé par les notables du village, qui le poussèrent à commettre un acte de justice individuel sanglant.

L’anthropologue Andrea Morbio et l’artiste Riccardo Giacconi ont mené une enquête de terrain dans le village près de Bergame où la vengeance s’était déroulée et ont également étudié un spectacle du marionnettiste italien Giacomo Onofrio, consacré à l’histoire de Simone Pianetti. Ils présenteront une conférence-performance à partir des documents audiovisuels qu’ils ont pu réaliser dans le cadre de leur recherche. Celle-ci s’inscrit à la suite de celles qui ont eu lieu, entre autres, à l’Académie Royale de La Haye (2015), à Tranzitdisplay, Prague (2014) et au MACRO de Rome (2013).

Andrea Morbio est né en 1984 à Montichiari (Italie). Il a rédigé un mémoire à l’EHESS de Paris sous la direction de Carlo Severi. Il travaille actuellement en tant qu’ethnographe pour la société Enov. Il a reçu le Prix de l’Atelier d’écriture documentaire de l’EHESS et CNRS Images en 2012.

Riccardo Giacconi (né en 1985) a étudié l’art à l’Université IUAV de Venise. Son travail a été présenté dans différents expositions et festivals de cinéma. En 2015 il a reçu le Grand Prix de la Compétition Internationale du Festival International de Cinema FIDMarseille.

 

Image : “Foglio volante” about Simone Pianetti, by cantastorie Camillo Marulli

 

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Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : images, crise, politique, organisé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

http://imagesrevues.revues.org/

Séminaire de février 2016 : Pierre-Olivier Dittmar et Maud Perez Simon

Maud Perez-Simon, Pierre-Olivier Dittmar

« Je est un monstre »
 
Cannibalisme aristocratique et monstruosité politique dans Les Monstres des hommes 
(BnF fr. 15106)
11 Février 2016
INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
Salle Fabri de Peiresc
10h-12h
entrée libre
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Au XIIIe siècle un auteur qui nous est resté inconnu écrit un bestiaire monstrueux moralisé en vers. Surprenant, cet ouvrage l’est à plusieurs égards. La rhétorique et la langue de ce texte très particulier ont toujours été dénigrées par la critique, il en va d’ailleurs de même pour les images, alors que sa geste, à la fois violente et sensuelle, multipliant les adresses au lecteur et les performances verbales, donne un incroyable sentiment de présence. L’originalité du texte est aussi de proposer une moralisation politique et sociale des monstres d’Orient grâce à une structure rhétorique très ferme : les vrais monstres sont les hommes d’occident, et plus particulièrement les nobles. L’ouvrage est un véritable appel à la révolte, rappelant l’origine commune de tous les hommes, descendant l’Adam, et dénigrant tous les puissants, des nobles (cannibales) aux avocats et même au pape.
Dans ce manuscrit, la rhétorique est constituée du verbal et du visuel, grâce à leur mise en regard constante. L’auteur joue à plusieurs reprises sur l’étymologie et sur l’ambivalence du terme monstre, comme dans la phrase suivante : « Mais, encore un instant ! Je veux parler d’un autre monstre, que bientôt je vous monstre, en parole et en peinture ». Le « monstre » est celui qui est là pour nous « montrer » quelque chose, il participe donc à la dé-monstration.
Maud Perez-Simon est maîtresse de conférences en littérature médiévale à l’Université Sorbonne-Nouvelle Paris 3, spécialiste du rapport texte-image. Elle a publié Mise en roman et mises en images, les manuscrits du Roman d’Alexandre en prose, Champion 2015.
Pierre-Olivier Dittmar est maître de conférences en anthropologie médiévale à l’EHESS, spécialiste de l’animalité et des images médiévales. Il a notamment publié avec Gil Bartholeyns et Vincent Jolivet, Image et transgression au Moyen âge, Paris, Presses Universitaires de France (Lignes d’Art), 2008
Ils préparent ensemble l’édition de Les monstres des hommes, nouvelle édition et traduction du BnF fr. 15106, à paraître chez Champion classique
Image : Bnf, ms français 15106,  f.12
Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : Image, crise, politique, dirigé par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

Séminaire du 5 novembre : La Biennale de Venise

5 novembre 2015

INHA, salle Fabri de Peiresc

10h – 12h

photo :The Biennalist http://biennalist.blogspot.com.br

All the World’s Futures.

La 56e Biennale de Venise.

Présentation et débat proposés par

Thomas Golsenne

 

« La 56e Exposition de la Biennale de Venise 2015 utilisera comme Filtre la trajectoire historique que la Biennale elle-même a parcourue pendant ses 120 ans d’existence ; un Filtre à travers duquel il sera possible de réfléchir à l’actuel “état des choses” et à l’“apparence des choses”. La question principale posée par l’exposition est la suivante : de quelle façon les artistes, les philosophes, les écrivains, les compositeurs, les chorégraphes, les chanteurs et les musiciens, à travers des images, des objets, des paroles, des mouvements, des actions, des textes et des sons, peuvent rassembler des publics pour les faire écouter, réagir, se rassembler et parler, afin de donner un sens aux soubresauts de ce temps ? Quels matériaux symboliques et esthétiques, quels actes politiques ou sociaux seront produits dans cet espace dialectique de références pour donner forme à une exposition qui refuse d’être confinée aux limites des modèles conventionnels d’exposition ? Dans All the World’s Futures le curateur lui-même, avec les artistes, les activistes, le public et les participants en tout genre seront les protagonistes centraux de l’orchestration ouverte de ce projet. »

Okwui Enwezor, curateur de la 56e Biennale de Venise

 

Okwui Enwezor (né en 1963 à Calabar, Nigéria) est un des plus grands commissaires d’exposition à l’heure actuelle. Après un diplôme en sciences politiques à la New Jersey City University, il a beaucoup fait pour développer la reconnaissance de l’art africain sur la scène mondiale. Il a fondé le Journal of Contemporary African Art et organisé de nombreuses expositions dans ce domaine, notamment The Short Centiry : Independence and Liberation Movements in Africa, 1945-1994 (2002, New York). Il a dirigé plusieurs biennales internationales marquantes, comme la Documenta 11 (2002, Kassel), La Triennale. Intense proximité (2012, Paris).

Thomas Golsenne est historien et théoricien de l’art, professeur d’histoire des arts visuels à la Villa Arson à Nice, membre du comité de rédaction d’Images Re-vues.

 

Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues 2015/2016 : Images, art, crise

INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Entrée libre

 

Séminaire du 7 mai : Reprise et Révolution, avec Annabela Tournon

7 mai 2015

INHA, salle Fabri de Peiresc

10h – 12h

 

Reprise et révolution.

La récupération d’une iconographie nationale dans le travail des artistes des grupos (Mexique, années 1970)

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Annabela Tournon

Cette intervention propose de comprendre les modalités de la reprise d’une iconographie nationale et révolutionnaire dans le travail des artistes des grupos, à la fin des années 1970 au Mexique.

Cette réappropriation des symboles nationaux n’allait pas de soi, si on prend en compte le rejet initial, par cette génération d’artistes, des symboles et des idéaux accaparés par le Parti Révolutionnaire Institutionnel, issu de la Révolution de 1910.

Pour la comprendre, nous tenterons de voir dans quelle mesure ont pu peser les trois événements suivants, qui seront autant d’hypothèses : le mouvement universitaire de 1968, la lutte pour les droits civiques aux Etats-Unis, et la Révolution sandiniste dont les grupos ont été les contemporains, en 1979.

Notons que la question de la reprise d’une iconographie nationale élaborée par les artistes de la période postrévolutionnaire, notamment muralistes, rencontre inévitablement celle de la néo-avant-garde. Question largement débattue en histoire de l’art, quoique souvent restreinte à ses terrains européens et nord-américains.

C’est donc aussi à ce dossier que peut contribuer la question, sinon du retour de la révolution, du moins de sa reprise, plastique et discursive, dans les années 1970 au Mexique.

Annabela Tournon prépare actuellement un doctorat en histoire de l’art (EHESS/CEHTA) consacré aux grupos : artistes, militants, enseignants et théoriciens, actifs dans les années 1970 au Mexique.

Elle codirige avec Mauricio Marcín la revue bilingue TADA, et mène divers projets curatoriaux en France et au Mexique. Elle est chargée de cours en histoire de l’art à l’université Paris 1.

 

Entrée libre

Séminaire : lancement du n° 12, Les arts de l’oubli

9 avril

Lancement du numéro 12

Arts de l’oubli

Coordonné par Giuliana Ravviso et Sarah Shroukh

Présentation avec la participation de deux des auteurs du numéro,

Can Onaner et Gaëlle Périot-Bled.

 INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris

Salle Fabri de Peiresc.

9h30-12h

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Can Onaner, Aldo Rossi et les images architecturales de l’oubli

 

L’oubli est un thème prépondérant dans les écrits d’Aldo Rossi, notamment dans son livre Autobiographie Scientifique qu’il hésite à titrer : « Oublier l’architecture ». Pour lui, le souvenir et l’oubli sont les deux possibilités de l’architecture. Celle-ci, « pour atteindre une certaine grandeur, doit être oubliée, ou proposer simplement une image de référence qui se confonde avec le souvenir ». Au sein de l’acte créateur, l’oubli est un procédé constitutif de la mémoire au même titre que le souvenir : ce que l’on décide volontairement d’oublier, ou ce que l’on refoule inconsciemment, en dit autant sur notre création que l’accumulation de souvenirs avec lesquels nous cherchons tant bien que mal à constituer un récit cohérent.

Can Onaner est un architecte franco-turc, docteur en Histoire de l’architecture. Il enseigne la théorie et le projet à l’ENSAP-Malaquais et à l’ENSA-Versailles. En 2011, il soutient sa thèse de doctorat titrée « Le suspens en architecture de Adolf Loos à Aldo Rossi » sous la direction de Dominique Rouillard (Université Paris-1 Panthéon-Sorbonne). Can Onaner a publié des articles et essais pour différentes revues françaises et internationales, dont Images Re-vues, Multitudes, LOG et CITIVISIO et présenté des conférences sur les analogies dans le travail d’Adolf Loos et les écrivains Sacher-Masoch et Georges Bataille. De 2000 à 2002, il a été le correspondant parisien de la revue architecturale turque XXI. En 2005 il a participé au symposium de l’UIA (Union Internationale des Architectes) à Istanbul avec un court-métrage intitulé « Le locataire de la maison Tzara ». En 2010, il a été invité comme conférencier à Venise, pour un colloque international sur la figure d’Aldo Rossi. En 2013 il a été le co-commisaire avec Gilles Delalex d’une exposition réunissant architectes et plasticiens autour du Temps Suspendu. Depuis 2011, ses recherches au sein du laboratoire LIAT l’orientent vers les espaces et les temps suspendus dans la ville. Parallèlement à sa pratique d’architecte, à la recherche universitaire et à l’enseignement, Can Onaner mène une pratique de recherche par le projet au sein du collectif d’architectes Documents Architecture dont il est un des fondateurs.

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Gaëlle Périot-Bled, Christian Boltanski. Petite mémoire de l’oubli

 

De la collecte d’objets quotidiens exposés dans des vitrines jusqu’aux installations les plus monumentales, Christian Boltanski a l’obsession de sauver l’humanité de l’oubli. La collecte et l’archivage sont les obsessions majeures de cet artiste, comme si l’accumulation d’objets et de photographies pouvait venir conjurer l’inexorable perte qui touche chacun dans son expérience du temps. Son oeuvre s’articule autour du projet de créer un musée de l’homme, un musée vivifié par des dispositifs qui intègrent le spectateur et l’amènent à prendre une part active dans l’installation. Dans le temps et le lieu de son exposition, chaque oeuvre est une pièce qui se joue grâce au public, puis retourne au néant, ne survivant alors que dans la petite mémoire du spectateur. Nous voudrions revenir sur les formes que prend cette paradoxale oeuvre de mémoire qui n’est adossée à l’oubli que pour mieux nous le donner à voir.

Gaëlle Périot-Bled est professeur agrégé de philosophie en terminale et en CPGE scientifique. Elle enseigne également le théâtre au lycée et a fait partie du département Arts et Humanités de l’ENSATT. Auteur d’articles parus dans la revue Figures de l’art et dans la Nouvelle Revue d’esthétique, elle prépare un doctorat sur le mode d’existence des oeuvres éphémères à l’Université Paris 8 sous la direction de Catherine Perret.

Entrée libre

Séminaire : Démocratie ? (5 mars 2015)

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5 mars 2015 – de 10h à 12h INHA, salle Fabri de Peiresc

Démocratie ?

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Les tyrannicides d’Athènes, vie et mort de deux statues

 

Vincent Azoulay

 

Dans le cadre de son « séminaire de crise », Images Re-vues a le plaisir de recevoir Vincent Azoulay pour une présentation de son dernier ouvrage, Les tyrannicides d’Athènes, vie et mort de deux statues, Seuil, 2014.

L’enquête de Vincent Azoulay repose sur un pari audacieux : faire la biographie de deux statues parmi les plus célèbres de l’Antiquité, les Tyrannicides. Représentant les meurtriers du tyran Hipparque en pleine action, ces statues érigées sur l’Agora d’Athènes ont eu un destin exceptionnel : tour à tour vénérées, outragées et imitées, elles ont connu alternativement des moments de gloire et d’épreuves qui, loin d’affaiblir leur rayonnement, en ont fait de véritables icônes de la démocratie athénienne. Et les Tyrannicides ont résisté à l’usure du temps : ils n’ont cessé d’alimenter des discours, de déclencher des chants et d’inspirer des images tout au long de l’histoire antique. À l’époque romaine encore, les effigies des deux amants meurtriers continuaient de susciter le débat, voire d’inquiéter ? sans doute parce que leur image pouvait apparaître comme un appel détourné au meurtre de l’empereur. En reconstituant la vie mouvementée de ces statues, de leur naissance jusqu’à leur disparition, Vincent Azoulay révèle qu’elles sont bien plus qu’un simple reflet : un symbole agissant, qui modèle et fait l’histoire. Chemin faisant, c’est un pan entier de l’histoire des cités grecques qui se dévoile sous une nouvelle lumière.

Maître de conférences d’histoire grecque à l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée, membre junior de l’Institut universitaire de France (2010-2015), il est l’auteur d’un livre remarqué sur Xénophon (Xénophon et les grâces du pouvoir. De la charis au charisme, Publications de la Sorbonne, 2004 ; prix de l’Association des études grecques, 2005) et d’une biographie de Périclès (Périclès. La démocratie à l’épreuve du grand homme, Armand Colin, 2010 ; prix du livre d’histoire du Sénat, 2011).

Entrée libre

Séminaire : On ne rit plus. Iconoclasme et religion

Séance exceptionnelle

On ne rit plus : iconoclasme et religion

Briser les images en Occident et en Orient : approches historico-anthropologiques

 

5 février 2015, INHA, salle Fabri de Pereisc, 10h-12h

 

Table ronde et discussion avec la participation de Hassan Elboudrari (EHESS), Pierre-Olivier Dittmar (EHESS), Chloé Maillet (ESACM), Tania Vladova (ESADHaR)

 

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Une scène du mi‘râj, « l’ascension céleste » de Muhammad. Sur le dos de sa monture ailée, le prophète rencontre lors de sa traversée des sept ciels un ange en forme de coq. Manuscrit produit à Hérat, XVe siècle (Paris, BnF, Manuscrits orientaux, Supplément turc 190, fol. 11), citée par Vanessa Van Reterghem (http://ifpo.hypotheses.org/4445)

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Eglise Sainte Irene (Istanbul). Un des rares exemples conservés de mosaïques absidales datant de la période iconoclaste de l’Empire Byzantin (717-741)

 

Hassan Elboudrari est maître de conférences à l’EHESS, anthropologue et historien, membre du CHSIM (Centre d’histoire sociale de l’Islam méditerranéen, composante de l’IMAF, EHESS-CNRS-Paris 1-Aix Marseille). Il anime depuis de nombreuses années un séminaire d’enseignement et de recherche, intitulé « Anthropologie historique des pratiques religieuses dans l’Islam méditerranéen », dont le thème général de recherche, depuis la dernière rentrée, est l' »analyse historique et critique des normes d’élaboration du « droit musulman ». Parmi ses publications, on lui doit notamment la direction de Modes de transmission de la culture religieuse en Islam, Le Caire, 1993 et de la Coordination et présentation du dossier Normes juridiques et pratiques sociales dans le monde musulman, in Annales Islamologiques, vol. 29, octobre 1993 et de nombreux articles sur la culture islamique au Maghreb.

 

Pierre-Olivier Dittmar est maître de conférences à l’EHESS et membre du GAHOM (Groupe d’anthropologie historique de l’Occident médiéval). Il a notamment publié Image et Transgression au Moyen Âge (avec G. Bartholeyns et V. Jolivet), Paris, PUF, 2008 et Le monde Roman par delà le bien et le mal. Un iconographie du lieu sacré (en collaboration avec J. Baschet et J.-C. Bonne), Paris, Arkhé, 2012. Il est rédacteur en chef adjoint de Techniques & Culture et anime avec Frédéric Joulian le séminaire « Animalités croisées, animalités partagées » et a coordonné le numéro 6 d’Images re-vues sur le Devenir-animal.

 

Chloé Maillet est docteure en anthropologie médiévale. Elle a publié sa thèse (dirigée par J.-C. Schmitt, EHESS/GAHOM) : La parenté hagiographique (XIIIe-XVe siècle) d’après Jacques de Voragine et les manuscrits enluminés de la Légende dorée, Turnoult, Brepols, 2014. Elle a publié de nombreux articles sur les questions de parenté et de religion dans la société médiévale et mène parallèlement une carrière d’artiste. Elle est membre du comité de rédaction d’Images re-vues dont elle a coordonné le numéro 9 sur la Parenté en images. Elle est membre de la Coopérative de recherche de l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont-Ferrand pour l’année 2014-2015 et mène actuellement une recherche sur le travestissement au Moyen Âge.

 

Tania Vladova est docteur de l’EHESS et membre du CRAL (Centre de recherche sur les arts et le langage) et travaille dans le domaine de la théorie de l’art à l’époque moderne. Elle enseigne l’esthétique à l’Ecole Supérieure d’Art & Design Le Havre/Rouen et anime, avec Jacques Leenhardt, un séminaire à l’EHESS intitulé Les années 60-70 en France: un tournant dans la pensée des sciences humaines? Elle est co-fondateur et membre du comité de rédaction d’Images re-vues dont elle a coordonné le numéro 7 sur les Paysages sonores, et membre du comité de lecture de la revue Critique d’art. Elle a co-édité, avec A. Beyer et D. Cohn, le volume Esthétique et science de l’art (Trivium n°6, 2010) et a rédigé plusieurs entrées du Dictionnaire d’esthétique et de philosophie de l’art (dr. J. Morizot et R. Pouivet, Paris, Armand Colin, 2007).

 

Dans le cadre du « Séminaire de crise : images, art, politique » d’Images re-vues coordonné par Thomas Golsenne et Chloé Maillet.

 

Entrée libre

Séminaire d’Images Re-vues : Activismes ? (8 janvier 2015)

 Activismes ? Regards croisés amérindiens sur les relations entre art et politique

8 Janvier 2015, INHA, salle Fabri de Pereisc, 9h30-12h

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Ana Guevara, 

Francisco Huichaqueo : film/performance politique Mapuche (Chili)

Francisco Huichaqueo (1977, Valdivia, Chili) a réalisé en 2012 le film Kalül Trawün / Réunion du corps, dans le cadre d’une performance effectuée dans une salle d’exposition à l’intérieur d’un centre commercial de la capitale chilienne. Cet artiste qui se présente comme « peignant avec sa caméra » est d’origine Mapuche et diplômé des beaux-Arts de l’Université du Chili, il a également fait des études de cinéma documentaire. Par ses œuvres artistiques, il revendique l’identité et les traditions mapuche ainsi que les tensions de ce peuple face à un modèle de développement qu’une grande partie des amérindiens remettent en question.

Francisco Huichaqueo se met parfois lui-même en scène et est présent sur les réseaux sociaux pour la diffusion de ses œuvres.  Grâce à ses nouvelles formes d’expression politique, la lutte Mapuche s’est élargie dans sa palette à d’autres milieux/publics avec une portée internationale naissante.

Suite à la présentation de quelques extraits de ce film, on mettra en lumière le contexte actuel des Mapuche pour le mettre en relation avec l’engagement artistique et politique de Huichaqueo.

Voir le film : http://vimeo.com/65182732

Ana Guevara est anthropologue d’origine argentine et chilienne (Laboratoire d’Anthropologie Sociale, Paris). Elle achève actuellement sa thèse portant sur la mémoire et les transformations du paysage chez les Mapuche en Patagonie nord (deux côtés de la Cordillère). Une partie de sa thèse est consacrée à la relation entre les artefacts, production matérielle, à partir du rituel le plus important (Nguillatun) considéré comme porte d’entrée à la riche tradition Mapuche. Elle étudie également les différentes formes d’expression politique face aux atteintes portées à l’environnement et leur déformation du paysage (déforestation brutale, pollution des zones de pêche, développement de projets touristiques…).  Récemment elle a commencé à s’intéresser aux manifestations artistiques des revendications du peuple Mapuche.

Image : photogramme de Kalül Trawün (2012)

 

 Durham

Sophie Moiroux, 

Jimmie Durham : l’art peut-il être (in)directement politique ?

 Artiste contemporain (né en 1940 dans l’Arkansas, d’une famille Cherokee), Jimmie Durham a réalisé ses premières expositions à la fin des années 1960, acquérant par ailleurs un diplôme des Beaux-Arts. Il s’est dédié à l’action politique au moment de la crise de Wounded Knee (Dakota du Sud) en 1973, devenant membre de l’American Indian Movement puis représentant du Conseil International des Traités Indiens à l’ONU. En 1980 il se consacre à nouveau à l’art, puis quitte définitivement les Etats-Unis, et s’installe en « Eurasie » en 1994 (il vit aujourd’hui à Naples et Berlin). Son œuvre – sculptures, installations, performances, poésie, textes – est notamment reconnue exprimer un certain engagement politique, sans pour autant, souligne-t-il, être « directement politique ». En regardant quelques exemples d’œuvres, on proposera dans cette présentation quelques réflexions sur les relations entre art et politique dans le travail de Durham, en évoquant les ‘images’ convoquées, sa pratique et ses discours, ainsi que ses visées.

Sophie Moiroux est anthropologue (Laboratoire d’Anthropologie Sociale, Paris). Elle a consacré sa thèse à l’œuvre de Jimmie Durham (L’objet-frontière. Art contemporain, conflits culturels et jeux d’ontologies, 2011), puis son postdoctorat au peintre Amati Trumai (Haut-Xingu, Amazonie brésilienne). Au sujet de l’œuvre de Durham elle a publié notamment « ‘Devemos imaginar a antropologia antropologicamente’ Entrevista com Jimmie Durham », Revista de Antropologia (São Paulo) 56(2) (2013) et « Dé-voiler les objets : la ‘normalité’ exposée dans les installations muséales de Jimmie Durham », Anthropologie et Sociétés (Laval) (2015). Elle mène ses recherches actuelles sur des artistes amérindiens contemporains, leurs œuvres et leurs relations à différentes formes d’‘activismes politiques.

Image : photographie de la performance de Jimmie Durham Building a Nation à Matt’s Gallery, Londres, 2006 (photo : S. Moiroux)

 

Dans le cadre du « Séminaire de crise : images, politique », Images re-vues, coordonné par Thomas Golsenne et Chloé Maillet

Théories

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Editorial

Giuseppe Di Liberti

Intituler le premier dossier d’une revue dédiée à la réflexion sur les images “Théories” peut sembler à première vue, si ce n’est prétentieux, du moins un peu “flou”. Ce titre correspond en réalité à une exigence constitutive d’Images re-vues : la nécessité d’une réflexion méthodologique sur des approches disciplinaires différentes et sur des concepts et des modèles qui caractérisent le débat actuel sur l’image. Lors des deux journées de présentation des travaux des doctorants du CEHTA en février 2005 – dont une sélection est publiée dans ce premier numéro – celle-ci est apparue comme le fil conducteur le plus évident. Le dossier, à travers les six articles qui le composent, vise à présenter différentes approches pertinentes de la production des images. Les questions soulevées par ces articles, très ponctuelles dans le choix de territoires explorés, concernent l’ensemble des processus d’identification des pratiques artistiques et de la réflexion théorique autour de ces pratiques. Tous ces articles participent au projet de la revue en ce qu’ils témoignent d’une recherche qui se construit en repensant des repères scientifiques. Cette recherche coïncide avec la recherche de sens et d’identité de notre travail. (lire la suite)

L’histoire de l’art depuis Walter Benjamin

Actes du colloque international organisé par l’EHESS-CEHTA et l’INHA sous la direction scientifique de Giovanni Careri et de Georges Didi-Huberman à l’INHA, le 5 et 6 décembre 2008.

Editorial

Giuliana Ravviso

Walter Benjamin (1892-1940) est depuis longtemps reconnu comme l’une des figures majeures de la réflexion philosophique, historique et littéraire.
La philosophie de l’art est, avec la philosophie du langage et la philosophie de l’histoire, l’un de trois grands thèmes qui traversent l’œuvre de Benjamin.
Son oeuvre constitue un tournant fondamental pour les sciences humaines et des notions telles que l’aura, l’image dialectique, l’anachronisme, le montage, la « lisibilité » ou la reproductibilité technique sont désormais des acquis dans le domaine de la recherche.
Ce penseur inclassable n’a pas seulement proposé de nouveaux modèles d’historicité mais aussi des nouvelles façons de regarder et interpréter les oeuvres de la culture et de l’art : du drame baroque à la photographie et au cinéma des années 1930, de la poésie romantique à l’architecture urbaine, du roman moderne au théâtre expérimental.
Flâneur érudit, il a résisté au temps grâce à l’immense qualité littéraire des ses écrits et à son sens aigu des enjeux théoriques de l’époque.
Tour à tour philosophe, anthropologue, théoricien de la littérature et de l’art, historien, sociologue, il reste donc un auteur « absolument moderne » qui s’intéresse sans cesse à des nouveaux objets d’étude, qui découvre des nouvelles problématiques, à la recherche de nouvelles clés pour comprendre son temps. lire la suite