Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du hors-série 7, Par-delà art et artisanat. Approches matérielles et processuelles de la création, dirigé par Francesca Cozzolino et Thomas Golsenne. 
Préparation de l’installation L’or de la fougue, Pierre di Sciullo, 2017, Centre d’art contemporain Le Bel Ordinaire, Pau
Archives de l’auteur : Thomas Golsenne
Parution du hors-série 6 : Images émancipatrices
Images re-vues est heureuse de vous annoncer la sortie de son hors-série 6 :
Images émancipatrices
coordonné par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
Sommaire
Historien·ne·s émancipé·e·s, par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
L’ostracisme en image. Les graffitis sur les ostraca athéniens, par Jean-Noël Allard
Biographie d’une image de la démocratie athénienne : compte-rendu du livre de V. Azoulay, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort de deux statues, par Elise Lehoux
L’organisation des signes religieux et l’esprit impérial de certains rabbins de l’Antiquité / The Organization of Religious Signs and the Imperial Mind of Some Early Rabbis, par Ron Naiweld
Les Monstres des hommes. Ou trente-sept pages et quarante-huit images pour rendre la voix des subalternes du XIIIe siècle, par Pierre-Olivier Dittmar
Libérer les images : compte-rendu critique de Horst Bredekamp, Théorie de l’acte d’image, la découverte, 2015, par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
La Révolution, les fêtes et leurs images. Spectacles publics et représentation politique (Paris, 1789-1799), par Guillaume Mazeau
Images de femmes libres. Pour une histoire esthétique des idées politiques, par Stefania Ferrando
Une histoire de marionnettes. Variations sur Simone Pianetti (1858- ?), par Riccardo Giacconi et Andrea Morbio
Ecrire des images, par François Aubart
Dessiner pour agir : graphisme et politique dans l’espace public, par Francesca Cozzolino
Parcourir les histoires de l’art non-linéaires : les études du British Black Art par Sophie Orlando / Navigating Non-Linear Art Histories : Sophie Orlando’s Case Studies of British Black Art, par Ella S. Mills
légende image :
- Peinture réalisée par un·e paysan·ne maya-tseltal de la région autonome zapatiste de Morelia pour l’exposition Un mundo donde quepan muchos mundos. Peintures zapatistes du Chiapas à la galerie La salle principale, Paris, 1er juin – 28 juillet 2018.
Paris, collection particulière
Séminaire du 5 avril : Andrea Ceriana Mayneri, Histoire, mémoires et passé en Centrafrique
Images Re-vues a le plaisir de vous inviter à son prochain séminaire où nous aurons le plaisir d’écouter
Andrea Ceriana Mayneri
CNRS-IMAF
Histoire, mémoires et passé au Centrafrique.
À propos de certains artefacts anciens et de leurs simulacres récents
5 avril 2018
INHA, salle W. Benjamin 10h-12h
Centrafrique, autrefois Oubangui-Chari. Examinons d’abord des images d’objets cérémoniaux anciens, dessinées par les missionnaires, décrites par les écrivains et voyageurs (René Maran, André Gide), capturées par les cinéastes et photographes (Marc Allégret, Ed van der Elsken) ; regardons ensuite certaines reprises contemporaines de ces objets qui suscitent dans le pays curiosité, ou regret et nostalgie, ou encore, méfiance et appréhension ; considérons enfin la trajectoire d’un musée des arts et des traditions populaires inauguré il y a cinquante ans à Bangui, aujourd’hui fermé, menacé d’écroulement. Est-il possible de tisser un lien entre ces événements, entre ces images, ces artefacts, ce bâtiment ? Et, si c’est possible, qu’est-ce que ce lien éventuel pourrait nous aider à comprendre à propos des liens avec le passé, dans un pays comme le Centrafrique actuel où les identités, a fortiori les mémoires, sont exacerbées sur fond de violences meurtrières et d’interminables souffrances ? Ce séminaire revient sur un programme de recherche développé entre le terrain centrafricain et certaines réserves de musées en Europe, en passant par des collections privées, des archives numérisées, puis de nouveau dans les salles, presque vides, du musée de Bangui. Il sera aussi question du film-documentaire « Mémoires du Centrafrique », en cours de réalisation avec Edie Laconi, qui en partant de ce programme, veut interroger à nouveaux frais la question mémorielle dans et autour de ce pays équatorial.
Dans le cadre du séminaire d’Images re-vues « Partie 2 : Trajectoires biographiques d’images », coordonné par Bérénice Gaillemin, Louise Hervé, Élise Lehoux et Chloé Maillet.
Séminaire du 8 mars : Thierry Bonnot, “Pertinence et limites des biographies d’objets. Retour critique sur une méthode”
Le prochain séminaire d’Images re-vues aura lieu le jeudi 8 mars à l’INHA, en salle W. Benjamin, de 10h à 12h.
Nous avons le plaisir d’inviter Thierry Bonnot (CNRS – GTMS – EHESS) qui présentera :
“Pertinence et limites des biographies d’objets. Retour critique sur une méthode”
La biographie d’objet est une option méthodologique qui présente un grand intérêt heuristique pour les sciences sociales. Elle permet à l’enquêteur (anthropologue, sociologue, historien, archéologue) de suivre les objets dans leur parcours afin de saisir la multiplicité des changements de statuts sociaux et de régimes de valeurs qu’ils subissent ou suscitent. Si ce travail permet de dépasser les catégories ordinaires utilisées pour classer les choses en société, il n’est pas une panacée applicable à toute sorte de chose dans tous les contextes. Il s’agira dans cette intervention d’effectuer un retour critique sur la notion de biographie d’objet et sur la méthode de recherche en l’articulant avec d’autres perspectives, notamment la question de l’agency, pour en évaluer l’efficacité et les lacunes.
Lire : T. Bonnot, “Itinéraire biographique d’une bouteille de cidre”, L’Homme, 170, 2004, en ligne: http://journals.openedition.org/lhomme/24809
Dans le cadre du séminaire d’Images re-vues « Partie 2 : Trajectoires biographiques d’images », coordonné par Bérénice Gaillemin, Louise Hervé, Elise Lehoux et Chloé Maillet.
Programme du séminaire 2017-21018
Séminaire 2017-2018
INHA, 6 rue des Petits Champs/2 rue Vivienne, salle Walter Benjamin
Le 1er jeudi du mois, de 10 à 12h, à partir de décembre 2017 à jusqu’à mai 2018.
Le premier séminaire aura lieu le jeudi 7 décembre de 10 à 12h en salle W. Benjamin.
Coordonné par :
- Bérénice Gaillemin, post-doctorante, INALCO (Département des Amériques)
- Louise Hervé, artiste
- Elise Lehoux, docteure de l’EHESS (ANHIMA)
- Chloé Maillet, professeure d’histoire et théorie des arts à l’ESBA Angers, (correspondante ALHOMA/CRH/EHESS)
Le séminaire de la revue électronique Images re-vues accompagne les dernières sorties des numéros sous forme de rencontres avec des auteurs qui ont participé à ces volumes.
Cette année, les premières séances du séminaire seront consacrées au numéro Extra-terrestre portant sur les rapports entre art et pensée de l’extra-terrestre, dans les domaines du cinéma, des études de genre et d’imaginaire astronomique. Le deuxième volet sera quant à lui consacré au numéro Les images vivent aussi, trajectoires biographiques, un numéro à paraître courant 2018 et dont les articles portent sur les destins des images qui, en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des réassignations d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle
1ère Partie : Extraterrestre (n°14 de la revue)
Le 7 Décembre 2017
Elsa de Smet (ATER Université de Reims), Au clair de Terre, Mon œil extraterrestre
Science de l’observation à partir du xviie siècle, l’astronomie reste néanmoins attachée au champ de l’hypothèse. La littérature savante de l’époque n’hésite d’ailleurs pas à faire figurer l’imagination au cœur de son fonctionnement en ayant recourt au récit d’un voyage mental comme moyen d’appréhender le monde intersidéral. L’œil du lecteur ainsi projeté dans la fiction littéraire, trouvera ensuite dans l’image au milieu du xixe siècle, un nouvel outil pour favoriser la communication autour de l’astronomie savante et de son apprentissage par le plaisir. Crédo du siècle, la conception du voir pour savoir installe un champ nouveau de fiction, visuelle cette fois, au cœur même des démonstrations les plus rigoureuses. Le règne du spectacle et des aventures extraordinaires de la seconde moitié du xixe siècle, qui a révélé le potentiel séducteur de l’imagerie scientifique dans la culture populaire n’y est sans doute pas étranger. Et, de cette collaboration entre fiction et astronomie émergent des mutations esthétiques où la coalescence entre science et style devient condition nécessaire et point de départ pour de nouveaux questionnements plastiques.
Le 11 janvier 2018
Jean-Michel Durafour (professeur Université Aix-Marseille), Des Extraterrestres aux manettes des images. Images, minéraux et cristaux dans la cité pétrifiée de John Sherwood (1957)
La Cité pétrifiée (Monolith Monsters, 1957) de John Sherwood, un film d’exploitation aujourd’hui injustement oublié (pourtant écrit sur une idée du grand maître du genre à l’époque, Jack Arnold), signale un cas très unique dans l’histoire du cinéma de science-fiction d’extraterrestres minéraux et cristallins. Le parti pris de la présente étude est que ces extraterrestres, à mi-chemin de la pierre et de l’organisme, dont l’analyse exigera de s’aventurer dans la cristallographie, se découvrent au fur et à mesure comme d’authentiques figures théoriques engageant une appréciation esthétique sur les films d’une grande originalité sous le module d’une minéralogie des images filmiques. Le film y gagne ainsi une exigeante profondeur théorique. L’extraterrestre – dont la forme fait fusain – y devient ainsi le lieu d’une extra-territorialisation esthétique qui conduira à demander aux images quel type de pierres elles sont.
Le 8 février 2018
Luc Schicharin (docteur CRM, Université de Lorraine), Le corps abstrait d’une princesse nuwaubienne : l’extra-terrestre comme figure de l’altérité dans l’œuvre de Juliana Huxtable.
Il s’agira d’une étude esthétique et sémiologique des autoportraits de Juliana Huxtable en princesse nuwaubienne afin de comprendre les enjeux de l’usage artistique de la figure de l’extra-terrestre dans son travail. À partir d’une analyse des œuvres et des entretiens de l’artiste, nous établissons que l’autoportrait extra-terrestre d’Huxtable est, en premier lieu, une exploration philosophique et artistique de la notion de race, considérée comme une corporéité abstraite, mais aussi un outil d’affirmation politique, dans la mesure où la créature nuwaubienne apparaît comme une métaphore de l’altérité chez l’artiste afro-américaine. Enfin, nous constatons que l’artiste est également proche de la théorie queer lorsqu’elle aborde son identité intersexuée et transgenre en posant un regard critique sur la représentation de l’hermaphrodisme dans l’art antique qu’elle déconstruit avec les conceptions du genre de la société contemporaine et son esthétique afrofuturiste.
2ème Partie : Trajectoires biographiques d’images (n°15, à paraître)
Le 8 mars 2018
Thierry Bonnot (chargé de recherche au CNRS, GTMS/EHESS, Paris), Pertinence et limites des biographies d’objets. Retour critique sur une méthode.
La biographie d’objet est une option méthodologique qui présente un grand intérêt heuristique pour les sciences sociales. Elle permet à l’enquêteur (anthropologue, sociologue, historien, archéologue) de suivre les objets dans leur parcours afin de saisir la multiplicité des changements de statuts sociaux et de régimes de valeurs qu’ils subissent ou suscitent. Si ce travail permet de dépasser les catégories ordinaires utilisées pour classer les choses en société, il n’est pas une panacée applicable à toute sorte de chose dans tous les contextes. Il s’agira dans cette intervention d’effectuer un retour critique sur la notion de biographie d’objet et sur la méthode de recherche en l’articulant avec d’autres perspectives, notamment la question de l’agency, pour en évaluer l’efficacité et les lacunes.
Le 5 avril 2018
Andrea Ceriana Mayneri (Chargé de Recherches au CNRS-IMAF), Histoire, mémoires et passé au Centrafrique. À propos de certains artefacts anciens et de leurs simulacres récents.
Centrafrique, autrefois Oubangui-Chari. Examinons d’abord des images d’objets cérémoniaux anciens, dessinées par les missionnaires, décrites par les écrivains et voyageurs (René Maran, André Gide), capturées par les cinéastes et photographes (Marc Allégret, Ed van der Elsken) ; regardons ensuite certaines reprises contemporaines de ces objets qui suscitent dans le pays curiosité, ou regret et nostalgie, ou encore, méfiance et appréhension ; considérons enfin la trajectoire d’un musée des arts et des traditions populaires inauguré il y a cinquante ans à Bangui, aujourd’hui fermé, menacé d’écroulement. Est-il possible de tisser un lien entre ces événements, entre ces images, ces artefacts, ce bâtiment ? Et, si c’est possible, qu’est-ce que ce lien éventuel pourrait nous aider à comprendre à propos des liens avec le passé, dans un pays comme le Centrafrique actuel où les identités, a fortiori les mémoires, sont exacerbées sur fond de violences meurtrières et d’interminables souffrances ? Ce séminaire revient sur un programme de recherche développé entre le terrain centrafricain et certaines réserves de musées en Europe, en passant par des collections privées, des archives numérisées, puis de nouveau dans les salles, presque vides, du musée de Bangui. Il sera aussi question du film-documentaire « Mémoires du Centrafrique », en cours de réalisation avec Edie Laconi, qui en partant de ce programme, veut interroger à nouveaux frais la question mémorielle dans et autour de ce pays équatorial.
Le 3 mai 2018
Chloé Galibert-Laîné (doctorante, SACRe / ENS (PSL)) et Aurel Rotival (doctorant, Université Lumière Lyon 2): Survivance des motifs et politiques de l’appropriation
– Chloé Galibert-Laîné, ‘L’entrée dans l’art’ des images amateurs filmées pendant le soulèvement syrien de 2011
Depuis l’insurrection verte en Iran en 2009, l’usage de la vidéo numérique s’est répandu comme outil de documentation des mouvements sociaux et des conflits armés. Il n’en fallait pas davantage pour que se multiplient en même temps différentes formes de remixes et de remplois de ces images. Ces vidéos, du fait du peu d’informations dont nous disposons quant au contexte dans lequel elles ont été filmées et quant à l’identité et aux intentions de leurs auteur.e.s, constituent un matériau très malléable : la diversité des destins offerts à ces images semble n’avoir d’égal que le nombre de sites Internet susceptibles de les diffuser, recontextualiser, détourner. En prenant appui sur l’analyse d’un corpus de vidéos YouTube et de films contemporains, cette intervention s’intéressera spécifiquement aux différentes stratégies d’appropriation (médiatiques, politiques et artistiques) dont font l’objet les images amateures tournées en Syrie depuis le début des révoltes en 2011.
– Aurel Rotival, Le pathos figuratif chrétien et ses vies politiques posthumes. Sur plusieurs remplois filmiques du motif de la pietà
Dans trois films réalisés au tournant des années soixante et soixante-dix par des cinéastes qui, tout à la fois, se réclament de la modernité cinématographique la plus avancée et tentent, par leur œuvre filmique, de participer aux luttes politiques de l’époque (Les Enfants désaccordés, réalisé en 1964 par P. Garrel ; Acéphale, réalisé en 1968 par P. Deval et Les Dieux de la peste, réalisé en 1970 par R.W. Fassbinder), survit le modèle pictural classique de la pietà, issu des sphères religieuse et chrétienne. Il s’agit de relier ce retour du religieux, envisagé non comme un substrat dogmatique mais comme le véhicule d’intensités anthropologiques et de fictions collectives, aux divers constats de l’époque qui auront signalé une situation de crise anthropologique, et l’auront fait à l’aune d’une disparition des singularités culturelles derrière l’homologation au mode de vie bourgeois, d’un affaissement de la mémoire et de ses capacités disruptives, ou encore, précisément, d’une perte du sentiment de sacré dans le monde. Il apparaîtra que le remploi de ces formes figuratives empruntées au pathos religieux par des cinéastes se revendiquant du marxisme ou du communisme n’a finalement de sens qu’à engager leur retournement vers la promesse d’un horizon commun, au moment où la question de la révolution se doit d’être pensée avec celle, cruciale, du salut anthropologique des peuples.
séminaire du 4 mai : regards croisés sur la polychromie, entre Antiquité et modernité
Images Re-vues est heureuse de vous inviter à son prochain séminaire :
Arnaud Dubois et Adeline Grand-Clément
« Colorier les idoles, habiller les murs.
Regards croisés sur la polychromie, entre Antiquité et modernité »
Jeudi 4 mai 2017
INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
Salle Walter Benjamin, 10h-12h. Entrée libre
Adeline Grand-Clément et Arnaud Dubois engageront une discussion comparatiste autour de la notion de « polychromie » et des pratiques qu’elle a recouvertes au cours de l’histoire, en faisant dialoguer leurs corpus d’étude, antique et contemporain. La première partie de l’échange portera sur le rapport entre peau et couleur dans la statuaire en marbre de la Grèce archaïque : pourquoi cette nécessité de « colorier les idoles » (formule empruntée à Quatremère de Quincy) ? La seconde partie concernera les pratiques de la couleur en architecture contemporaine, notamment celles de Patrick Bouchain, qui explique les raisons qui l’ont conduit à « habiller les murs ». Les deux dossiers invitent à réfléchir sur ce que la couleur fait aux surfaces, dans une perspective anthropologique.
Arnaud Dubois est docteur en anthropologie sociale de l’EHESS (2014) et diplômé des Beaux-arts de Paris (2008). Chercheur invité au musée du quai Branly en 2014, il est actuellement chargé de recherche au musée des Arts et Métiers et post-doctorant de la Fondation Fyssen à University College London (2016-2018). Depuis plusieurs années, il travaille sur les relations entre technique, esthétique et société. Il développe notamment un programme renouvelé d’anthropologie et d’histoire de l’art centré sur les pratiques de la couleur. Dans ce cadre, il a effectué un terrain au Centre Pompidou et débute une nouvelle recherche sur le pouvoir de la couleur en Papouasie-Nouvelle-Guinée. Il anime depuis cette année un séminaire de recherche au Musée des arts et métiers intitulé « anthrolologie des techniques du corps » et est le commissaire de l’exposition Les Meilleurs Ouvriers de France dans ce même musée.
Adeline Grand-Clément, agrégée d’Histoire, est maître de conférences en histoire grecque à l’Université Toulouse 2-Jean Jaurès et membre de l’Institut Universitaire de France. Elle appartient à l’équipe PLH-ERASME, qui travaille sur la réception de l’Antiquité. Son principal champ de recherche, qui concerne l’histoire culturelle et l’anthropologie des couleurs dans les sociétés anciennes, s’ouvre actuellement en direction de l’ensemble des registres sensoriels, en contexte rituel grec. C’est dans ce cadre qu’Adeline Grand-Clément dirige le programme de recherche comparatiste « Synaesthesia » (financé par l’Idex de l’Université fédérale de Toulouse), qui regroupe des spécialistes de l’Antiquité et des anthropologues. Elle a notamment publié La fabrique des couleurs (Éd. De Boccard, 2011) et participe à la préparation de l’exposition « Rituels grecs : une expérience sensible » qui débutera en novembre 2017 au Musée Saint-Raymond de Toulouse.
Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : “objets, techniques, supports”, organisé par Doina Craciun, Bénédicte Duvernay, Bérénice Gaillemin, Élise Lehoux, Vasso Zachari
Séminaire du 6 avril : les annotations du Greco sur Vitruve
Images Re-vues a le plaisir de vous inviter à son prochain séminaire :
Maria Georgilaki
« Les annotations du Greco sur Vitruve »
6 avril 2017
INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
Salle Walter Benjamin, 10h-12h. Entrée libre
Natif de Crète, orthodoxe, peintre d’icônes de renom, citoyen vénitien, tolédan d’adoption et artiste des autorités étatiques espagnoles, ami d’intellectuels et de prélats contre-réformistes, le Greco est pourtant plus connu par les lieux communs du XIXe siècle (mysticisme, déraison, extravagance, etc.), très résistants aux découvertes des historiens. À sa mort, il possède une des plus grandes bibliothèques d’artiste ou d’amateur d’art connues du XVIe siècle. Ses manuscrits volumineux étant tous perdus, il ne nous reste de sa pensée que les annotations sur quelques-uns de ses livres.
Les apostilles du peintre sur Vitruve ont fourni les fragments les plus instructifs sur la théorie de la peinture du Greco. Mais trente ans après leur découverte, ses commentaires sont à peine dissociés du tempérament de l’artiste. Ses marginalia sur De architectura peuvent contribuer à une lecture plus large de la pratique du Greco et enrichir le regard sur la technique de la peinture d’affiliation vénitienne.
Maria Georgilaki est née à la Canée en Crète. Elle a étudié l’art et la théorie des médias (Communications Arts and Sciences) et la philosophie au Queens College à New York (Bachelor of Arts) en 1991. Sous la direction d’Hubert Damisch, à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales à Paris, elle a commencé une recherche sur les annotations du Greco. Elle a obtenu le Master (2014) de la même école sous la direction de Giovanni Careri, au Centre d’Histoire et de Théorie de l’Art, sur le thème des survivances des schémas byzantins dans les tableaux du Greco. Elle prépare actuellement une thèse sous sa direction, sur la notion d’espace chez le Greco, et écrit aussi sur des créations contemporaines. Elle partage son temps entre Paris et la Crète. Les projets déjà entrepris portent sur la survivance des formules prémodernes dans l’expérience contemporaine.
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Dans le cadre du séminaire d’Images Re-vues : “objets, techniques, supports”, organisé par Doina Craciun, Bénédicte Duvernay, Bérénice Gaillemin, Élise Lehoux, Vasso Zachari
Séminaire du 2 mars : La notion d’iconographie implicite au prisme de la transe hallucinatoire grisi siknis chez les miskitos du Nicaragua
Images Re-vues a le plaisir de vous inviter à son prochain séminaire :
Maddalena Canna
La notion d’iconographie implicite au prisme de la transe hallucinatoire grisi siknis chez les miskitos du Nicaragua
2 mars 2017
INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
salle Walter Benjamin
10h-12h
entrée libre
Grisi siknis, en miskito nicaraguayen « la maladie folle », est une famille de crises de transe hallucinatoire perçues comme une maladie contagieuse chez plusieurs populations de la Moskitia, entre le Honduras et le Nicaragua oriental. Une attaque de grisi siknis déclenche un comportement agressif/auto-agressif associé à une série d’hallucinations récurrentes. À cause de leur potentiel pathogène, les images visuelles associées aux attaques de grisi siknis sont rarement représentées. Elles constituent cependant un répertoire iconique cohérent et sophistiqué. Par une pratique ethnographique expérimentale, en demandant à une série d’affectés de dessiner sur papier ces apparitions, j’ai participé à la mise en évidence de cette tradition iconique de mémoire hallucinatoire. En m’interrogeant sur le statut de ces images, à la fois représentations, résidus somatiques et matrices imaginaires partagées, je propose la notion d’iconographie implicite pour rendre compte de ces traditions où un répertoire iconique figé est transmis en l’absence d’un support externe.
Maddalena Canna, anthropologue, est doctorante au Laboratoire d’Anthropologie Sociale (EHESS/Collège de France), Lauréate de la Fondation Martine Aublet du Musée du Quai Branly et membre de l’équipe interdisciplinaire ALIUS. Sa thèse porte sur l’iconographie implicite de la transe hallucinatoire grisi siknis. Après une année d’enquête ethnographique parmi les miskitos du Nicaragua, elle mène une recherche comparative et interdisciplinaire sur les modalités d’incarnation et de propagation de l’imaginaire et sur son interaction avec les états de conscience, avec un intérêt particulier pour les traditions visuelles.
Séminaire du 2 février : Icônes éthiopiennes du XVe siècle
Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud
De l’analyse des matériaux à l’archéologie des processus de création :
Icônes éthiopiennes du XVe siècle
A partir d’un projet initial sur l’identification des matériaux, cette présentation verra comment interroger les processus de création et de fabrication des icônes éthiopiennes à partir du corpus de données matérielles créé à cette occasion. A travers ce que l’on peut discerner de l’organisation du travail, elle reviendra sur les questions propres aux pratiques d’attribution et à l’auctorialité de ces peintures en l’absence d’informations textuelles.
Claire Bosc-Tiessé, historienne de l’art (CNRS, Institut des Mondes Africains) et Sigrid Mirabaud, chimiste (Inp), travaillent depuis plusieurs années sur un projet d’analyses des matériaux constitutifs des peintures et sur les processus de création et de fabrication à partir d’un corpus d’icônes et de peintures murales éthiopiennes datées entre le XIIIe et le XVIIIe siècle. Spécialiste de l’Éthiopie, Claire Bosc-Tiessé est notamment l’auteur des Îles de la mémoire. Fabrique des images et écriture de l’histoire dans les églises du lac Tana, Éthiopie, XVIIe-XVIIIe siècle paru en 2008 aux Publications de la Sorbonne. Sigrid Mirabaud est spécialisée dans l’étude des matériaux anciens, adjointe au directeur des études du département des restaurateur et responsable du laboratoire de l’Inp.
Parution du n° 13 : Supports
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution de son numéro 13 :
Supports
direction Doina Craciun et Bénédicte Duvernay
Editorial
Doina Craciun et Bénédicte Duvernay
Le thème de ce numéro invitait historiens de l’art, restaurateurs, archéologues, anthropologues, etc. à proposer leurs réflexions sur des objets spécifiques du point de vue de la relation entre matière et image, entendues au sens que leur donne Cesare Brandi lorsqu’il définit la matière comme « tout ce qui sert à l’épiphanie de l’image », et en distinguant dans cette catégorie la matière comme prioritairement support, structure (les fondations d’un édifice, le bois d’une icône, etc.) et la matière participant de l’aspect de l’image (l’enduit peint d’une façade, le marbre taillé en statue, etc.). La Teoria del restauro livre l’exemple d’une œuvre peinte, où le panneau de bois est la matière-support, et la couche de peinture la matière-aspect, tout en précisant, d’emblée, que la matière, comme véhicule de la forme, lui est coextensive, et que la distinction entre matière-support et matière-aspect est la plupart du temps poreuse.
En prenant les distinctions théoriques de Brandi comme point de départ, nous voulions suggérer aux auteurs quelques pistes de réflexions originales : nous intéressaient en particulier les cas historiques particulièrement significatifs quant à la question du revêtement ou du dévoilement des supports.
illusion de surface : percevoir la “peau” d’une sculpture
Christina Ferando
Au XVIIIe siècle, certains sculpteurs, comme Antonio Canova, utilisèrent la cire pour essayer de teinter de façon subtile la surface de leurs œuvres, s’attachant tout particulièrement au traitement de la chair de leurs figures. Cet essai explore la réticence du public face à cette polychromie, proposant un lien entre la critique largement négative des œuvres et l’apparence trompeuse de leur surface dont le traitement à l’encaustique imitait de trop près celle de l’Antique. D’autre part, l’effet de réel de la couleur menaçait le statut de la sculpture et sa place dans la hiérarchie des Beaux-Arts. Mettant l’accent sur la surface même de l’œuvre, et l’opposition entre surface et son contenu, l’effet de réel ainsi mis en place soulevait des questions non seulement esthétiques, mais aussi philosophiques et scientifiques.
L’épiderme des statues grecques : quand le marbre se fait chair
Adeline Grand-Clément
Dans la langue grecque, le terme qui désigne la peau, khrôs, signifie aussi « couleur ». L’épiderme humain est ainsi un des éléments à partir desquels les Grecs ont pensé le chromatisme et ses caractéristiques. L’excellence d’un peintre se mesurait d’ailleurs à sa capacité à trouver le ton juste, capable de rendre les nuances subtiles du teint humain (andreikelon) et de conférer à l’œuvre picturale un effet de vie. On sait aujourd’hui que les statues n’échappaient pas à cette mise en couleurs, même si le traitement des parties dénudées du corps humain demeure relativement mal connu. L’article proposera quelques réflexions autour de ce rapport entre peau et couleur, en s’intéressant à un matériau en particulier : le marbre. Cette pierre cristalline semble en effet avoir été l’un des supports privilégiés de la mise en couleur, depuis l’époque archaïque, et l’on s’interrogera sur les raisons qui expliquent cette préférence.
Une archéologie des icônes éthiopiennes. Matériaux, techniques et auctorialité au XVe siècle
Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud
Alors que l’Éthiopie est christianisée à partir du ive siècle de notre ère, les premières icônes éthiopiennes préservées datent du xve siècle sans que l’on établisse précisément aujourd’hui si c’est à ce moment qu’elles apparaissent en Éthiopie ou si d’autres plus anciennes ont complètement disparu. Partant de l’analyse des matériaux et de la manière dont ils sont mis en œuvre, cet article propose d’étudier la stratigraphie de deux icônes parmi les plus anciennes conservées pour discerner les différentes étapes de la création de l’œuvre et celles qui concernent sa vie sur une durée plus longue. Tout en mettant en évidence la mise en place d’une technologie des icônes en Éthiopie de manière générale, il entend réfléchir aux modalités de la création en reconsidérant les pratiques d’attribution en cours dans l’histoire de l’art éthiopien.
Des images en quête de supports. L’iconographie implicite des crises hallucinatoires grisi siknis
Maddalena Cana
Grisi siknis, en miskito nicaraguayen « la maladie folle », est une famille de crises de transe hallucinatoire perçues comme une maladie contagieuse chez plusieurs populations de la Moskitia, une aire multiethnique s’étendant entre le Honduras et le Nicaragua oriental. Une attaque de grisi siknis déclenche un comportement agressif/auto-agressif associé à une série d’hallucinations récurrentes. À cause de leur potentiel pathogène, les images visuelles associées aux attaques de grisi siknis sont rarement représentées. Elles constituent cependant un répertoire iconique cohérent et sophistiqué. Par une pratique ethnographique expérimentale, en demandant à une série d’affectés de dessiner sur papier ces apparitions, j’ai participé à la mise en évidence de cette tradition iconique de mémoire hallucinatoire. En m’interrogeant sur le statut de ces images, à la fois représentations, résidus somatiques et matrice imaginaire partagée, je propose la notion d’iconographie implicite pour rendre compte de ces traditions où un répertoire iconique figé est transmis en l’absence d’un support externe.
Poser la couleur : le Centre Pompidou Mobile, la coloration des murs et l’anthropologie
Arnaud Dubois
À partir d’une étude croisée de la littérature savante sur la polychromie antique et industrielle et de données issues d’une enquête de terrain sur une architecture contemporaine qui prend ses distances avec les couleurs fonctionnelles de l’architecture moderniste, cet article montre qu’une approche ethnographique des pratiques coloristes permet de dégager une historiographie largement sous-évaluée des travaux sur l’art coloriste en architecture moderne. En rendant compte des entretiens que j’ai eus avec Patrick Bouchain et Daniel Buren sur leurs positions théoriques sur la coloration des murs et en confrontant leurs réponses aux théoriciens du XIXe siècle en Europe, j’aborde la délicate question de la coloration du Centre Pompidou Mobile. Relève-t-elle ou non d’une démarche « décorative » ?
Séminaire du 5 janvier : L’espace d’exposition comme écosystème
Pour sa rentrée 2017, Images re-vues a le plaisir de vous convier à la séance du séminaire du 5 janvier :
L’espace d’exposition comme écosystème :
Autour de l’analyse des pratiques de conservation préventive au musée
Tiziana Nicoletta Beltrame – LESC
Cette communication se base sur une enquête ethnographique de deux ans portant sur l’analyse des pratiques de conservation préventive des collections du musée du quai Branly (2014-2016). Ces pratiques contribuent à minimiser les risques de détérioration des objets des collections, tout en essayant de stabiliser la relation entre l’objet et son environnement. Nous observerons ici les modalités de stabilisation entre entités humaines et non-humaines qui cohabitent avec les œuvres à différentes échelles, de l’infrastructure (tel le dispositif de climatisation) à l’infra-mince (telle la poussière). De cette analyse, l’espace muséographique émergera comme écosystème et non comme contenant stable d’objets et de personnes à exposer. Nous verrons ainsi comment les pratiques de conservation préventive contribuent à la construction des temporalités des œuvres.
Tiziana Nicoletta Beltrame est docteure en ethnologie, associée au Laboratoire d’Ethnologie et de Sociologie Comparative de l’Université Paris Ouest Nanterre La Défense.
Dans le cadre du séminaire d’Images re-vues « objets, techniques, supports».
INHA
salle Walter Benjamin 10h-12h
2 rue Vivienne 75002 Paris
Parution du Hors-Série 6 : Après le tournant iconique
Après le tournant iconique
coordonné par Tania Vladova
Au centre de ce volume intitulé Après le tournant iconique demeure l’intuition, plutôt que le constat, d’un affaiblissement sinon d’une sortie ou d’une fin du tournant iconique. Tout en gardant à l’esprit les acquis de ce tournant, cela oblige à repenser les rapports entre images et textes en réévaluant l’héritage iconologique et structuraliste. Si sortie il y a, elle n’est pas liée à un quelconque affaiblissement du rôle des images, mais plutôt à la nécessité de changer de perspective, de repenser à nouveaux frais notre rapport à l’art et à la matérialité de ses œuvres, mais aussi de passer outre l’opposition stérile et insoluble entre images et textes qui, dans le manège entre tournant linguistique et tournant iconique, a traversé tout le XXe siècle. Cette sortie ou postérité serait donc liée à une prise de distance libératrice en ce qu’elle permettrait d’adopter une vue synoptique seule capable d’embrasser la complexité du réel.
Bernard Vouilloux, “La peinture dans la rumeur du langage”
Selon une très ancienne tradition, la peinture, cette « poésie muette », serait vouée au silence. Cette assignation appelle un examen qui se déploie en trois temps : une exploration philologique, tout d’abord, des nombreux mots qui disent l’absence de sons ou l’absence du langage ; une analyse esthético-poétique des conditions sous lesquelles le passage d’un régime des genres (à l’enseigne de l’Ut pictura poesis) à un régime de l’art (définitoire de la modernité) a pu être pensé comme passage d’une peinture parlante ou sonore à une peinture définitivement et radicalement muette ; un réexamen philosophique, enfin, de ce grand paralogisme contemporain qui, sous couleur de dénoncer le logocentrime et l’« impérialisme linguistique », aura évacué la poïèse verbale avec le logos, se privant ainsi des ressources du sens, lequel est lié à la possibilité du langage tout en restant irréductible à la signification linguistique.
Muriel van Vliet, “Art et langage chez Ernst Cassirer : morphologie et/ou structuralisme ?”
Cet article porte sur le rapport complexe de l’art au langage chez le philosophe allemand Ernst Cassirer (1874-1945) et cela selon trois niveaux distincts de compréhension de son œuvre. L’analyse de l’interprétation cassirerienne du tournant langagier qu’imprima le théoricien du langage Wilhelm von Humboldt au criticisme kantien permet, à un premier niveau, de mieux cerner le rapport de la philosophie des formes symboliques de Cassirer à l’iconologie d’Erwin Panofsky. Mais un second tournant langagier se joue encore chez Cassirer, lui permettant d’approfondir la conception morphologique de la Gestalt propre à Goethe dans la direction du structuralisme naissant, ce qui pourrait fort bien avoir été une des sources de Claude Lévi-Strauss. À un troisième et dernier niveau, cet article propose toutefois d’évaluer non seulement les points de convergence entre l’esthétique de Cassirer et celle du célèbre anthropologue français, mais aussi leurs points de divergence potentielle. Si le symbole est avant tout pour Cassirer un acte impliquant le corps en mouvement qui perçoit et si tout le processus de création du sens s’enracine chez lui dans un processus de symbolisation rituelle, Cassirer se positionnerait plutôt du côté de l’historien de l’art que fut Aby Warburg, tandis que Lévi-Strauss se rapprocherait davantage de Panofsky, dès lors qu’il s’agit de démêler les rapports qu’entretiennent art et langage.
Jacques Leenhardt, “Sur l’entropie et le paysage : à propos de Robert Smithson”
Avec en toile de fond historique, Hiroshima et le devenir commercial de l’art, Robert Smithson va trouver dans l’idée d’entropie et de désordre croissant, qui excluent l’optimisme des pensées utopiques, une manière nouvelle de pratiquer l’art. Il est urgent pour lui de donner une nouvelle acuité au regard, celui de l’artiste comme celui des spectateurs. Avec une tendresse et une intelligence aiguës, Smithson invente une autre manière de regarder le paysage entropique, cette réalité symbolique de toutes les érosions, physiques comme intellectuelles. Dès lors, dessinant, photographiant et accumulant des traces, l’art réaffirme sa présence au cœur du désastre.
Filippo Fimiani, “Anti-mémoires. Noms, reflets et écritures”
Arthur Danto affirme que le Vietnam Veterans Memorial de Washington incarne la beauté même de sa signification. Selon lui, cette « beauté interne » à l’œuvre d’art public est à la fois ressentie et lue, car elle est construite comme si elle était un texte et selon la rhétorique de l’enthymème, du syllogisme fondé sur une connaissance tacite et sur un lieu commun largement partagé et fortement probable. Pourtant, la référence à la pulchritudo adherens de Kant et à la philosophie de l’architecture est assez problématique. Danto évoque comme contre-exemple l’autoréférentialité illisible tantôt du Modernisme grenbergien, tantôt du minimalisme environnemental et anti-monumental de Richard Serra, mais l’agentivité de la beauté réelle et partagée du Mémorial est hantée par une logique spectrale de l’incorporation. Ce qui s’incarne dans cette œuvre peut en fait toujours excéder la rhétorique de la reconnaissance supportée par le syllogisme et troubler le cadre identitaire de la communauté donnée, notamment nord-américaine. Les ombres des visiteurs réfléchies et mélangées aux noms sur le mur du Mémorial peuvent devenir des signes-index illisibles et pathétique, ou être aperçues comme une empreinte figurale, éphémère et inquiétante ; finalement, ces images désincarnées peuvent réaliser une incorporation médiale – ce qu’on appellera avec Warburg Verkörperung – de l’arrière-monde, du royaume des morts.
Georges Roque, “Esquisse d’une rhétorique des interactions verbe-iconiques”
Ce texte a pour objet les relations entre les mots et les images, envisagées à partir des cas les plus fréquents, lorsqu’ils sont combinés dans des énoncés mixtes, c’est-à-dire verbo-iconiques. Leurs interactions sont analysées du point de vue sémantique, afin de comprendre comment chacun des deux aspects contribue à la production du sens de l’énoncé. Ces interactions sont examinées ici sous l’angle restreint de la relation rhétorique. Le choix de cette approche répond à une double motivation : rendre compte de la façon dont les mots et les images interagissent dans certains énoncés verbo-iconiques, mais aussi veiller à montrer que dans ces interactions les mots n’ont pas nécessairement le rôle moteur que l’on continue encore trop souvent de leur attribuer.
Marie-Aimée Lebreton, “Qu’est-ce qu’une image sonore ?”
La question de l’image sonore est au cœur de la pensée musicale depuis que la musique s’est éloignée de ses conditions initiales autour du 14ème siècle. C’est à partir du moment où elle se constitue en phénomène d’écriture que la musique quitte le plan d’une logique concrète du sensible pour accéder à des enjeux plus spécifiques pour la constitution de son épistémologie. L’image sonore atteste de cette conceptualisation du phénomène sonore. Ecrire une image sonore revient à s’immerger dans la vie d’un son pour en modifier les composantes. Dans cet article, on montrera qua la dimension plastique du son n’est pas donnée dans sa phénoménalité mais se constitue dans le voisinage des techniques assistées par ordinateur. Agir la plasticité du son, envisager ses identités multiples, activer l’image d’un son, dans une prise de forme qui est celle de la transformation morphogénétique doit alors se penser dans un cadre qui envisage la musique non pas du point de vue de l’émotion mais de la spéculation, des configurations et agencements formels spécifiques et singuliers.
séminaire du 1er décembre : Emma Aubin-Boltanski
Images Re-vues vous invite le 1er décembre 2016 à l’INHA en salle W. Benjamin, de 10h à 12h, à la nouvelle séance de son séminaire :
La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh
Emma Aubin-Boltanski
CéSor – EHESS-CNRS
Au Liban et en Syrie, deux espaces politiques étroitement liés en raison de leur histoire et de leur configuration communautaire, un réseau de mystiques chrétiennes s’est constitué depuis le début des années 1980. Ces femmes, qui officient dans leurs appartements ou maisons particulières, ne se fréquentent pas ou très rarement. Elles sont néanmoins liées entre elles par Notre-Dame de Soufanieh, une « icône » miraculeuse dont la reproduction se retrouve chez chacune d’entre elles. L’histoire de cette image commence à Damas en novembre 1982, quelques mois après l’insurrection de Hama, dans un contexte d’extrême violence. S’intéresser à sa biographie, à sa matérialité et à son parcours politique apporte un éclairage sur les modalités de présentification de « la Vierge » qui, ici, exprime et provoque – par un déplacement ténu inattendu – un désordre critique.
Spécialisée en anthropologie religieuse, Emma Aubin-Boltanski est chargée de recherches au CNRS et actuellement rattachée au Centre d’études en sciences sociales du religieux (CéSor). Elle est l’auteure de Prophètes, héros et ancêtres. Pèlerinages et nationalisme en Palestine (Paris : Éditions de l’EHESS, 2007). Depuis 2006, elle s’intéresse aux attentes eschatologiques, aux apparitions mariales et aux expériences mystiques au Liban et en Syrie. Elle a co-dirigé deux ouvrages collectifs – Penser la Fin du monde (avec Claudine Gauthier, CNRS Editions, 2014) et Croire en actes (avec Anne-Sophie Lamine et Nathalie Luca, l’Harmattan, 2014) – et fait paraître plusieurs articles dans des revues scientifiques de renom telle que L’Homme, Terrain, Archives des Sciences sociales des religions et Social Compass. En 2012, elle a réalisé deux films : Catherine ou le corps de la Passion (57’) et Catherine de Nab’a. Visionnaire de Beyrouth (12’).
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Dans le cadre du séminaire d’images re-vues « objets, techniques, supports ».
entrée libre
Programme du séminaire 2016-2017
Séminaire d’images re-vues 2016-2017
“Objets, techniques, supports”
Le séminaire a lieu le premier jeudi du mois de 10h-12h dans la salle W. Benjamin à l’INHA, 6 Rue des Petits Champs, 75002 Paris
Séances
3 novembre : Francesca Aceto (EHESS – Anthropologie historique du long Moyen Âge)
« Jouer avec les supports au XVe siècle. Quelques études de cas »
1er décembre : Emma Aubin-Boltanski (EHESS – Centre d’études en sciences sociales du religieux)
« La très petite image de Notre-Dame de Soufanieh » (sous réserve de modification)
5 janvier : Tiziana Beltrame (LESC)
« L’espace d’exposition comme écosystème : analyse des pratiques de conservation préventive au musée »
2 février : Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud (CNRS Institut des mondes africains – Institut National du Patrimoine)
« Une archéologie des icônes éthiopiennes : matériaux, techniques et auctorialité au XVe siècle»
2 mars : Maddalena Canna (EHESS – Laboratoire d’anthropologie sociale,)
« Des images en quête de supports : l’iconographie implicite de la crise hallucinatoire grisi siknis »
6 avril : Maria Georgilaki (EHESS – Centre d’Histoire et de Théorie des Arts)
« Les annotations du Greco sur Vitruve »
4 mai : séance commune d’Arnaud Dubois (Musée des arts et métiers)
« Poser la couleur. Le Centre Pompidou mobile, la coloration des murs et l’anthropologie de l’art »
avec Adeline Grand-Clément (Université de Toulouse II)
« L’épiderme des statues grecques. Quand le marbre se fait chair »
Les organisatrices du séminaire :
Doina CRACIUN
Bénédicte DUVERNAY
Bérénice GAILLEMIN
Élise LEHOUX
Vasso ZACHARI
Pour IMAGES re-VUES (http://imagesrevues.revues.org/)
Appel à contributions : Les images vivent aussi
Les images vivent aussi : trajectoires biographiques
Numéro coordonné par Bérénice Gaillemin et Elise Lehoux
En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.
Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.
Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Strathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.
Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.
Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.
Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues.
Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017 (NB : l’acceptation d’une proposition d’article ne dispense pas de la soumission définitive de l’article au comité scientifique). Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux[at]orange.fr et bgaillemin[at]gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.
Bibliographie indicative :
Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.
Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.
Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.
Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.
Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.
Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.
Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.
Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, 1990, p. 157-178.(http://townsendgroups.berkeley.edu/sites/default/files/strathern_artifacts_of_history.pdf)