Archives de catégorie : Appels à contribution

N°21 – Images, sport et politique de l’Antiquité à nos jours

Numéro dirigé par Sébastien Laffage-Cosnier, Jean-Marc Huitorel et Nicolas Sarzeaud.

Date limite d’envoi des propositions (5000 signes espaces compris) : 1er février 2022 ; date limite de remise des articles (45000 signes espaces compris maximum) : 1er septembre 2022.

Les propositions sont à envoyer aux adresses électroniques suivantes : sebastien.laffage-cosnier@univ-fcomte.fr ; jm.huitorel@wanadoo.fr ; nicolas.sarzeaud@ehess.fr

Thomas TUDOUX

L’image du footballeur américain Colin Kaepernick qui, en 2016, met un genou à terre pendant l’hymne américain pour protester contre les violences policières est un geste emblématique de contestation de l’injustice raciale. Quatre ans plus tard, et dans un contexte pratiquement identique, une partie des sportif·ives américain·es entame une mobilisation et un mouvement de grève en soutien à Jacob Blake, un Africain-Américain grièvement blessé par balles lors d’une interpellation par la police le 23 août 2020. Véritable symbole, notamment au sein du mouvement Black Lives Matter, l’image de l’athlète effectuant un kneeling illustre la mobilisation et l’engagement politiques face aux violences policières subies par les populations africaines-américaines.

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Appel à contribution Images Re-vues n°20 : Figurations du sentir / Picturing Sensory Experiences / Figurazioni del sentire

 

Ce numéro d’Images re-vues vise à interroger les figurations multiples du sentir. Il a pour ambition de questionner, dans un même mouvement, les représentations visuelles de la perception et l’expérience sensible mobilisée lors de leur création et réception. Les contributions proposées s’inscriront dans le prolongement de recherches interdisciplinaires menées sur l’expérience sensible au cours des dernières décennies. Continuer la lecture →

Appel à contribution Images Re-vues n°19 : « Précarité »

Appel à contribution Images Re-vues, n°19 : Précarité

Date limite d’envoi des propositions : 31 avril 2020 / Date limite de remise des articles : 24 août 2020

L’une des manières possibles d’appréhender la diversité des mouvements et des productions artistiques du XXe siècle et du début du XXIe siècle consiste à les considérer sous l’angle de la précarité. Nombre d’œuvres traitent, en effet, des situations concrètes de précarité d’un point de vue social, physique et moral. La photographie rend compte des différents aspects de la condition humaine, dont celui de la pauvreté. Avec d’autres photographes, Eugène Atget a porté son attention sur la Zone, ce territoire constitué de bidonvilles qui, de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années 1950, s’étendait aux portes de Paris. Aux États-Unis, les photographes de la Farm Security Administration (Walker Evans, Dorothea Lange, etc.) se penchèrent sur l’Amérique de la Grande Dépression et du New Deal. L’essor du cinéma documentaire a contribué à rendre sensibles les violences sociales et économiques d’où résultent états de fragilité, sentiments d’incertitude et d’inquiétude mais aussi formes de solidarité, d’inventivité, de lutte et de résistance. Continuer la lecture →

Appel à contribution Images Re-vues n°18 : « Images scientifiques/images artistiques : croisements méthodologiques »

Images scientifiques/images artistiques : croisements méthodologiques

Numéro dirigé par Andrea Pinotti et Giuseppe Di Liberti

Date limite de remise des propositions (3000 signes maximum) : 15 septembre 2019 ; remise des articles (55000 signes maximum) : 15 décembre 2019. Envoi des propositions à Giuseppe Di Liberti (giuseppediliberti@gmail.com) et Andrea Pinotti (andrea.pinotti@unimi.it)

Langues acceptées pour les propositions : français, anglais, espagnol, allemand, italien.

Langues acceptées pour les articles : français et anglais.

Dans son texte de 1999, The Domain of Images, James Elkins indiquait dans le vaste domaine des images non-artistiques – c’est-à-dire toutes les images produites au-delà du concept moderne et occidental d’art – un groupe d’images (graphiques, diagrammes, cartes, atlas, timbres, dessins techniques, images scientifiques) dites informationnelles (informational images) dont la finalité principale est la transmission d’informations. D’après Elkins l’histoire de l’art avait souvent pris en compte ces images pour déterminer les sources iconographiques des images artistiques. L’histoire de l’art les avait bien plus rarement considérées du côté de l’analyse du style, des formes de représentation ou de l’expressivité. Continuer la lecture →

Appel à contribution Images Re-vues n°17 : « Regard·s homoérotique·s »

Appel à contribution, Images Re-vues n°17 : Regard·s homoérotique·s

Numéro coordonné par Giorgio Fichera et Chloé Maillet

Qualifier une image d’homoérotique sous-entend deux idées : que les images ont une performativité (érotique c’est-à-dire qui suscite un désir sexuel ou amoureux) et qu’on peut leur assigner une « préférence » sexuelle, en l’occurrence homosexuelle, bien que le terme n’existe que depuis la fin du XIXe siècle. Se construire et se reconnaître aujourd’hui en tant que personne homosexuelle ou queer c’est aussi se lier à un patrimoine-matrimoine d’images qui a participé à la création de ces identités. Dans un ouvrage récent, Elisabeth Lebovici a montré l’enjeu politique des représentations culturelles durant les années sida (Lebovici, 2017). Nous ne cherchons pas à identifier des représentations des sexualités, mais à comprendre ce que font les images. Ce numéro voudrait contribuer à élargir et préciser les liens entre la construction des images et des sexualités. Continuer la lecture →

Appel à contribution Images Re-vues n°16 : « La gestualité du rituel mise en image »

Appel à contribution Images Re-vues n°16 : « La gestualité du rituel mise en image »

Numéro coordonné par Vasiliki Zachari

Figures gestuelles et rituelles feront l’objet du prochain numéro d’Images Re-vues. Le rituel est une séquence d’actes symboliques et codifiés. Par son étymologie (du latin ritus), il renvoie notamment au culte religieux, ainsi qu’à toute pratique fixée par une tradition, qui demeure respectée afin de rendre le rituel efficace. Le rituel a également une dimension spatio-temporelle précise : il se déroule à un certain endroit et à un certain moment, et il se caractérise par la répétition (sans signifier pour autant que tout comportement répétitif consiste en un rituel). La force des rites et des rituels réside dans la création de liens entre les membres du corps social, avec les puissances divines et avec tout autre type d’association permettant souvent le maintien de l’ordre social. Ils se trouvent au cœur des sociétés par le biais d’actions qui créent du sens, qui suscitent des émotions collectives, qui aident à interpréter le monde. Ainsi, un vaste champ de rituels se décline du sacré au profane, comme la prière, le sacrifice, le deuil, la supplication, mais aussi des rituels dans les domaines du sport, du travail, de la séduction, voire même quelques cas de rituels laïcs, comme l’enterrement de vie de célibataire, l’investiture d’un nouveau dirigeant politique etc. Même si certains rituels s’écartent ou disparaissent, de nouveaux rites se développent, plus adaptés aux nouveaux besoins de certaines sociétés (p. ex. le rite d’anniversaire qui se répand aujourd’hui à la place des fêtes des saints). Dans tous les cas, il s’agit de rites qui sont caractérisés par un ensemble d’actes solennels d’ordre verbal et gestuel. Continuer la lecture →

Appel à contributions : Les images vivent aussi

Les images vivent aussi : trajectoires biographiques

Numéro coordonné par Bérénice Gaillemin et Elise Lehoux

 

En 1953, Chris Marker et Alain Resnais ont montré que les statues avaient une histoire dans Les statues meurent aussi. Les recherches récentes, en histoire, en anthropologie ou en histoire de l’art, accordent une place grandissante à une approche biographique des choses (Kopytoff 1986), mais aussi plus spécifiquement à celle des images, à leur trajectoire dans les cultures dans lesquelles elles évoluent. Ce numéro d’Images re-vues, revue pluridisciplinaire et transversale, est dévolu aux destins des images, qui en changeant de contexte, de temps, de lieu, connaissent des changements d’usage, des re-sémantisations, des transformations de toute nature et réinterrogent ainsi le regard porté par ces objets issus de la culture matérielle.

Changements de supports d’abord. La réutilisation d’une image implique souvent l’usage d’un autre support. Quel sens acquiert cette image lorsqu’elle passe d’un support à un autre, lorsqu’elle est manipulée et investie d’un autre imaginaire, en dehors du lieu de sa production et loin de ses usages initiaux ? Les antiquités gréco-romaines découvertes au cours de l’époque moderne sont par exemple méthodiquement dessinées puis gravées dans des « musées de papier » destinés à leur analyse et leur conservation par des savants, invitant ainsi à d’autres usages. De même, Roger Chartier a montré dans ses travaux sur les sept vies du texte de Bartolomé de Las Casas que la migration et la réédition des textes et des frontispices signifient bien souvent une modification du sens porté à leur contenu initial.

Changements de temps, de lieu et de contexte ensuite. Vincent Azoulay dans Les tyrannicides d’Athènes Vie et mort de deux statues a dévoilé tout l’intérêt d’une approche diachronique en analysant les discours et les images mettant en scènes les statues des tyrannoctones Harmodios et Aristogiton, de leur création au Ve siècle à Athènes jusqu’à leurs usages politiques au XXe siècle. Il a souligné l’importance d’appréhender ces reconfigurations à l’aune des contextes sociaux, politiques et artistiques qui les ont élaborées. De son côté, Marilyn Strathern propose de voir les artefacts comme des enactement of events, as memorials of and celebrations to past and future contributions (Strathern, 1990), irréductibles à des explications verbales qui les décoderaient, les systématiseraient et en expliqueraient définitivement le sens. Cette approche renouvelle ainsi l’appréhension à la fois des objets, mais aussi des événements, des performances et des relations telle qu’elle est traditionnellement traitée par les historiens, les anthropologues et les muséologues.

Changement de statut enfin. Comme la célèbre laitière de Vermeer, d’autres images, moins connues lors de leur création, ont pu connaître un succès des siècles plus tard. La découverte de l’art africain par les cubistes ou encore la fortune de la désormais fameuse Vénus de Milo, maintes fois reproduite à des fins commerciales, sont à ce propos éloquentes.

Les catégorisations avec lesquelles les images sont étudiées – préhistoriques, antiques, médiévales, baroques, chinoises, sacrées, profanes, planes ou tridimensionnelles – apparaissent ainsi réductrices, voire erronées si on ne les considère pas sur la longue durée. L’étude de certains « cas d’école » pose donc le problème de la construction des catégories d’analyse, voire la nécessité de leur réagencement. Ainsi les images « marchent », les objets sont en « mouvement » (Joyce & Gillepsie 2015) : ils évoluent en fonction de leur contexte d’usage, d’utilisation, voire d’énonciation et de (re)formulation. Cette attention à la vie des images permet d’historiciser, de contextualiser, de déplacer des frontières traditionnellement associées aux productions matérielles et invite à porter un autre regard sur les contextes successifs dans lesquels elles apparaissent.

Les articles pourront porter sur des aires géographiques et des époques diverses, conformément aux axes d’Images re-vues.

Les propositions d’articles seront étudiées à condition de comporter entre 10 000 et 12 000 signes (espaces compris) et d’être envoyées avant le 15 janvier 2017 (NB : l’acceptation d’une proposition d’article ne dispense pas de la soumission définitive de l’article au comité scientifique). Les articles (55 000 signes max., espaces compris) devront être envoyés avant le 15 avril 2017 à elise-lehoux[at]orange.fr et bgaillemin[at]gmail.com, accompagnés d’un résumé en français et en anglais (10/15 lignes) et de 3 à 5 mots-clés en français et en anglais.

Bibliographie indicative :

Azoulay Vincent, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort d’une statue, Paris, Seuil, 2014.

Bonnot Thierry, La vie des objets : d’ustensiles banals à objets de collection, Paris, Édition de la Maison des sciences de l’homme, 2002.

Bonnot Thierry, L’attachement aux choses, Paris, CNRS éditions, 2014.

Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Carlo (eds.), Traditions et temporalités des images, Paris, Édition de l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2009.

Hölscher Tonio, La vie des images grecques : sociétés de statues, rôles des artistes et notions esthétiques dans l’art grec ancien [cycle de 5 conférences données en juin 2015 au Musée du Louvre], Paris, Hazan, 2015.

Joyce Rosemary A. et Gillepsie Susan D. (eds), Things in Motion. Object Itineraries in Anthropological Practice, School for Advanced Research Press, Santa Fe, 2015.

Kopytoff Igor, « The Cultural Biography of Things : commoditization as process », dans Arjun Appadurai, The Social Life of Things, CUP, 1986.

Strathern Marilyn, « Artifacts of history. Events and the interpretation of images », dans Strathern Marilyn, Learning to see in Melanesia. Masterclass Series 2, Manchester, Hau Society for Ethnographic Theory, 1990, p. 157-178.(http://townsendgroups.berkeley.edu/sites/default/files/strathern_artifacts_of_history.pdf)

Appel à contribution Images Re-vues n°13 : « Images/supports »

Appel à contribution : « Images re-vues n°13 : Images/supports »

S’il est juste de parler de « tournant matériel » des sciences humaines – expression par laquelle on désigne désormais une attention renouvelée portée, au cours des dernières décennies, aux objets et à leur dimension matérielle – il s’agira d’en tirer, pour l’étude des images, les conséquences au plus « ras » en s’interrogeant, dans une perspective pluridisciplinaire, sur ce que la prise en compte de leurs supports peut nous apprendre, ou nous réapprendre d’elles. La prétendue « dématérialisation » des images, plutôt que de nous détourner de l’étude de leurs conditions matérielles d’existence, doit au contraire nous inciter à redoubler d’attention à cet endroit, car elle vient rappeler que les images se définissent avant tout par leur articulation à des objets, à des supports. C’est donc un rapport que nous proposons d’interroger. Si, avec Hans Belting, nous considérons l’image comme le « résultat d’une symbolisation personnelle ou collective » (Pour une anthropologie des images, 2004), et si, d’un autre côté, nous constatons la variation, dans le temps et dans l’espace, de ses substrats, de ses supports, cela signifie que nous devons réfléchir sur des points de rencontre, des points d’intersection, analyser à la fois le rôle des surfaces et des matières dans les processus de formation et de transformation des images, et le rôle des images dans l’histoire de leurs formes et de leurs formats. Plusieurs axes (non exclusifs) sont proposés à la réflexion : Continuer la lecture →

Appel a articles : des categories a l'œuvre

Des catégories à l’œuvre. Appel à articles pour le numéro 11 d’images re-vues

Faisant usage de l’écrit pour analyser l’ordre des images, nous traversons à chaque fois un milieu pour accéder à un autre, utilisant les images du langage pour deviner les langages de l’image ou de l’objet. C’est ainsi que nous établissons des catégories, que nous reconstituons des genres, que nous définissons des cadres ou que nous décrivons des registres de la représentation, pour que ce dont nous parlons corresponde à ce que nous voyons, ou croyons voir. Ce numéro cherche à cerner, dans le discours explicite ou implicite, sur l’art ou l’image, la nécessité de la catégorisation.

Pour partir d’un exemple dont l’évidence masque la nécessité discursive qu’il entoure, le cadre forme la syntaxe d’un croisement entre catégorie et image. Il apparaît avec la fenêtre perspective, le triomphe de la maniera moderna, et la définition simultanée de l’archaïque et du maniériste ; il affirme le médium et son art. Alors que le peintre se veut libéral, sa pratique encadrée fera système dans l’ordre des Beaux-arts, celui-là même que le modernisme remettra en cause pour imposer son historicité et ses structures (qui reconduisent sans doute la nécessité du cadre, pensons à l’impératif des manifestes ou à l’englobant neutre du white cube). Et passé le comble d’une post-catégorie, nous cherchons souvent, aujourd’hui, à revenir à la stabilité d’une description de l’œuvre par son médium. Ailleurs, à l’occasion des représentations d’avant la spéculation renaissante, ou du « dehors » de cultures parallèles à la nôtre, d’autres questions se soulèvent, faisant appels à des savoirs qui prennent le relais de l’histoire de l’art mais restent probablement marqués par nos façons de voir.

Si les visual studies déchiffrent des catégories directement au travail dans l’image pendant que l’esthétique cherche à lire celles qui forment, à travers l’histoire et la pensée, l’œuvre d’art, il s’agirait ici, en tenant compte de ces précédents, de se focaliser sur l’équation qui voit l’œuvre – ou le rituel, le rêve ou le débordement psychotrope – comme résultat d’une combinaison de l’image ou de l’objet avec la catégorie. À quels moments nos données, exposées à des choix épistémologiques pratiques, bousculent le plan de leur analyse jusqu’à une possible altération du « sujet » ?

Il y a probablement du genre, du cadre ou de la catégorie en jeux dans chacune de nos études. Et ce dossier d’Images Re-vues rassemblerait, depuis l’objet ou l’image – ou depuis les différences entre image et objet alors transformés en « catégories » –, des exemplifications de ces détours où affleure ce qui interroge et justifie nos disciplines et nos typologies.

Propositions d’articles : jusqu’au 30 Avril 2012

Contact :

cadregenrecat(arobace)gmail(pt)com

Inactualité de l'ornement

Dossier du numéro 11 : Inactualité de l’ornement
(Envoi des propositions : 1er septembre 2010 ou envoi des articles : 31 octobre 2010)

« Si l’ornement est un crime, alors je suis un criminel », a dit Wim Delvoye il y a une dizaine d’années. Il est loin aujourd’hui le temps où l’ornement était banni des arts d’avant-garde, celui d’Adolf Loos et de son fameux essai « Ornement et crime » de 1908, celui de Kandinsky qui évoquait les dangers décoratifs dans lesquels pouvait tomber la peinture abstraite. Un des effets du postmodernisme aura sans doute consisté à réconcilier les arts et l’ornement, le superficiel, l’apparence, le kitch. Il a pu permettre aussi de revaloriser les mouvements artistiques historiques ou exotiques caractérisés par leur profonde ornementalité (l’art roman, le baroque, la parure océanienne, l’art islamique). On peut énoncer quelques raisons à ce changement radical. D’abord une volonté de rupture avec le diktat moderniste de la forme pure – avec Greenberg pour tout dire ; mais, plus philosophiquement, le rejet du règne de l’essence au profit de l’apparence – le regain d’intérêt pour Nietzsche en est le symptôme. Ensuite une forme d’abandon des utopies avant-gardistes (comme des utopies tout court), des arrières-mondes (pour rester avec Nietzsche) et un certain épicurisme, un vitalisme, qui parfois se concrétise en simple acceptation cynique de la société de consommation. Enfin une ouverture aux autres cultures, à l’époque de la décolonisation et du Lévi-Strauss de Race et histoire, où l’ornement occupait depuis longtemps la place réservée à l’art dans la civilisation occidentale. En fin de compte le postmodernisme ne pourrait-il pas se définir tout simplement comme le triomphe de l’ornement ? Sommes-nous toujours dans ce régime ? L’ornement règne-t-il en maître, pour le meilleur et pour le pire, dans le monde d’aujourd’hui ? Ce numéro a pour fin première de questionner l’inactualité de l’ornement, au sens nietzschéen, c’est-à-dire d’interroger son rôle dans les relations entre histoire et devenir, représentation et production – mais aussi au sens courant, c’est-à-dire d’interroger l’histoire et la théorie de l’art ancien ou les objets visuels extra-occidentaux, afin de mieux cerner, par le détour de l’histoire et de l’anthropologie, la puissance que nous attribuons à l’ornement. Il a pour but second de revisiter l’histoire du modernisme et du postmodernisme par le prisme ornemental. Il a pour ambition ultime de diagnostiquer le rapport du contemporain à l’ornement : dans le monde artistique, la société, la philosophie – en croisant les données recueillies par des chercheurs en histoire de l’art et en esthétique, en sociologie et en anthropologie, en philosophie et en économie, etc. Les propositions d’articles ne devront pas comporter moins de 1000 mots ; les articles ne devront pas dépasser 95000 signes.

Coordination du numéro : Thomas Golsenne

thomas.golsenne@free.fr

Parenté en images

dossier du numero 10 : Parenté en images.
(envoi des articles avant le 15 septembre 2010)

« La parenté, c’est un procédé taxinomique qui porte sur l’humain, et qui trie entre nos ‘semblables’ et les autres dans l’ensemble des individus qui sont réellement ou putativement liés entre eux par la naissance ou par le mariage.Mais ce, sans jamais que l’identité commune qu’elle postule résulte immédiatement de la filiation, de la consanguinité ou de l’alliance » (Laurent Barry, La parenté, 2008). Familles recomposées, transformation de l’alliance matrimoniale en lien temporaire, et gestation pour autrui : les modifications qui se sont opérées au sein des liens de parenté à la fin du XXe et au début du XXIe siècle nous ont amenés à réviser nos définitions de ce qu’était la parenté. Dans ce contexte de bouleversement, en quoi les images peuvent penser la représentation, voire la constitution d’un système ou d’un lien de parenté particulier ? Est-ce que les images donnent à voir la différence entre parenté biologique et parenté sociale ? En regard, l’étude des images utilise abondamment depuis longtemps la métaphore de la parenté comme outil d’analyse. On parle d’images apparentées, de filiation dans une série d’images. Que signifie la définition en termes de parenté la relation entre plusieurs images ? Ne s’agit-il que d’une certaine définition de la ressemblance ? Peut-on définir ce que cet usage apporte à la définition de la parenté ? L’enjeu de ce numéro serait de confronter les approches anthropologiques, sociologiques, historiques, pour tenter de comprendre les images de la parenté mais aussi la parenté des images. Pluridisciplinaire et ouvert à toutes les périodes historiques, et aires géographiques, il privilégiera les dossiers qui invitent à repenser de manière critique la définition de la parenté. La description des images-sœurs, l’analyse de la filiation entre les images et leurs auteurs, devront être traitées de manière à proposer une véritable définition de ce que l’on entend alors par « parenté ». Enfin, une attention particulière sera prêtée à la manière dont peuvent être figurées les formes de parenté les plus singulières (liens de parenté inversés, réprouvés ou refoulés) mais aussi les pseudo-parentés, la parenté spirituelle, ou fondée sur les pratiques de soin et de partage alimentaire, etc. « Comment n’aurait-il pas été mien, lui qui fut mon frère par le sang, mon fils par la profession religieuse, mon père par la sollicitude, mon compagnon par l’accord de nos esprits, mon intime par l’affection ? » (Bernard de Clairvaux, Sermons sur le Cantique).

Coordination du numéro : Chloé Maillet

chloemaillet@yahoo.com

Figurer les invisibles

Dossier du numéro 9 : Figurer les invisibles

(Envoi des articles avant le 31 mars 2010)

« L’art ne reproduit pas le visible : il rend visible ». Cette phrase de P. Klee (dans “le Credo du créateur”), devenue depuis sujet classique de philosophie esthétique, conserve toute sa fécondité si l’on dépasse la seule tradition de l’histoire de l’art occidental. Cette dimension élémentaire de l’œuvre – non pas seulement qu’elle soit visible, ou plus largement perceptible, mais qu’elle rende perceptible ce qui avant ne l’était pas ou l’était difficilement – peut se révéler essentielle dans le contexte d’une relation entre les hommes et les autres catégories d’êtres (dieux, esprits, fantômes, animaux, ancêtres, etc.) qui peuplent le monde. La « figuration » est ici entendue au sens que lui donne P. Descola d’« opération universelle au moyen de laquelle un objet matériel quelconque est investi de façon ostensible d’une « agence » (au sens de l’anglais agency) socialement définie suite à une action de façonnage, d’aménagement, d’ornementation ou de mise en situation ». Simplement, au lieu d’analyser comme cet auteur en quoi la modalité figurative adoptée par une société renseigne sur son ontologie, on s’intéressera à ce qu’implique l’acte de figurer pour une relation avec les invisibles. L’interdit sur la représentation divine dans les trois monothéismes est l’exemple classique que cet acte n’est jamais neutre. En Amazonie, il est fréquent que la guérison passe par l’identification et l’ostentation de l’esprit responsable de la maladie lors de fêtes des masques. La rencontre d’un esprit arutam, essentielle à l’accomplissement d’une vie d’homme chez les Indiens Jivaro, se signale ensuite par des peintures faciales. Quelles sont donc les motivations qui président à la figuration des êtres invisibles ? Une attention particulière sera prêtée aux contextes de production et d’usage des objets. Qui produit et pour qui ? Quels procédés sont-ils employés, et sont-ils fixes ? Quelle relation y a-t-il entre l’être figuré et la technique et la forme de sa représentation ? L’effet d’agence est-il toujours induit par un rapport iconique entre l’objet et son prototype ? Quelle part est-elle laissée à l’imagination, aux images mentales du producteur et du spectateur ? Enfin la façon dont ces objets sont utilisés – notamment lors des rituels – influe-t-elle sur leur appréhension sensible ?

Coordination du numéro : Sophie Moiroux et Emmanuel de Vienne

sophie_m_m@yahoo.fr emmanueldevienne@googlemail.com