The first image of a black hole, using Event Horizon Telescope observations of the center of the galaxy M87. Credit: Event Horizon Telescope Collaboration
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du n°18 d’Images Re-vues, Précarité, dirigé par Nadia Fartas.
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du hors-série n°9 d’Images Re-vues, Les images dans les images – Antiquité et Moyen Âge, dirigé par Giulia Puma et Stéphanie Wyler.
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du hors-série n°8 d’Images Re-vues, Images fondatrices, dirigé par Pierre-Antoine Fabre.
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du numéro 17 d’Images Re-vues, Regard.s homoérotique.s, dirigé par Giorgio Fichera et Chloé Clovis Maillet.
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution du hors-série 7, Par-delà art et artisanat. Approches matérielles et processuelles de la création, dirigé par Francesca Cozzolino et Thomas Golsenne. 
Préparation de l’installation L’or de la fougue, Pierre di Sciullo, 2017, Centre d’art contemporain Le Bel Ordinaire, Pau
Nous avons le plaisir de vous annoncer la parution du n°15 d’Images Re-vues, coordonné par Bérénice Gaillemin et Élise Lehoux
Bérénice Gaillemin et Élise Lehoux. Pourquoi et comment tracer les trajectoires des images ?
Marlène Albert Llorca, Jesús Moratalla et Pierre Rouillard. Le singulier destin d’une sculpture ibérique : la Dame d’Elche
Chloé Galibert-Laîné. Syrie, 2011 : vidéos amateurs et politiques du remix
Andrea Ceriana Mayneri. Agonie, perte ou renouveau d’une esthétique oubanguienne ?
Marion Beaufils. La chair et ses frontières
Cyril Menta. Croix sens dessus-dessous
Pietro Conte. Le « rêve américain » et sa fin : de la photographie à la sculpture, aller-retour
Rosa Maria Dessì. Spectres d’art du Trecento : à propos de quelques peintures de personnages couronnés (Giotto, Simone Martini, Lippo Memmi et Ambrogio Lorenzetti)
Aurel Rotival. Modernes Pietà
Thierry Bonnot, Bérénice Gaillemin et Élise Lehoux. La biographie d’objet : une écriture et une méthode critique
Varia
Pierre-Olivier Dittmar. Co-habiter avec les images
Nicolas Siron. Le sceau d’Agamemnon
Visuel : Jean-Olivier Héron, La naissance d’un voilier / La naissance des bateaux : un frise-livre raconté en couleurs, Arles : Actes sud junior ; Ile d’Yeu : Gulf Stream, 2000.
Images re-vues est heureuse de vous annoncer la sortie de son hors-série 6 :
coordonné par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
Historien·ne·s émancipé·e·s, par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
L’ostracisme en image. Les graffitis sur les ostraca athéniens, par Jean-Noël Allard
Biographie d’une image de la démocratie athénienne : compte-rendu du livre de V. Azoulay, Les tyrannicides d’Athènes. Vie et mort de deux statues, par Elise Lehoux
L’organisation des signes religieux et l’esprit impérial de certains rabbins de l’Antiquité / The Organization of Religious Signs and the Imperial Mind of Some Early Rabbis, par Ron Naiweld
Les Monstres des hommes. Ou trente-sept pages et quarante-huit images pour rendre la voix des subalternes du XIIIe siècle, par Pierre-Olivier Dittmar
Libérer les images : compte-rendu critique de Horst Bredekamp, Théorie de l’acte d’image, la découverte, 2015, par Thomas Golsenne et Chloé Maillet
La Révolution, les fêtes et leurs images. Spectacles publics et représentation politique (Paris, 1789-1799), par Guillaume Mazeau
Images de femmes libres. Pour une histoire esthétique des idées politiques, par Stefania Ferrando
Une histoire de marionnettes. Variations sur Simone Pianetti (1858- ?), par Riccardo Giacconi et Andrea Morbio
Ecrire des images, par François Aubart
Dessiner pour agir : graphisme et politique dans l’espace public, par Francesca Cozzolino
Parcourir les histoires de l’art non-linéaires : les études du British Black Art par Sophie Orlando / Navigating Non-Linear Art Histories : Sophie Orlando’s Case Studies of British Black Art, par Ella S. Mills
légende image :
Paris, collection particulière
Images Re-vues a le plaisir de vous annoncer la parution de son numéro 13 :
direction Doina Craciun et Bénédicte Duvernay
Doina Craciun et Bénédicte Duvernay
Le thème de ce numéro invitait historiens de l’art, restaurateurs, archéologues, anthropologues, etc. à proposer leurs réflexions sur des objets spécifiques du point de vue de la relation entre matière et image, entendues au sens que leur donne Cesare Brandi lorsqu’il définit la matière comme « tout ce qui sert à l’épiphanie de l’image », et en distinguant dans cette catégorie la matière comme prioritairement support, structure (les fondations d’un édifice, le bois d’une icône, etc.) et la matière participant de l’aspect de l’image (l’enduit peint d’une façade, le marbre taillé en statue, etc.). La Teoria del restauro livre l’exemple d’une œuvre peinte, où le panneau de bois est la matière-support, et la couche de peinture la matière-aspect, tout en précisant, d’emblée, que la matière, comme véhicule de la forme, lui est coextensive, et que la distinction entre matière-support et matière-aspect est la plupart du temps poreuse.
En prenant les distinctions théoriques de Brandi comme point de départ, nous voulions suggérer aux auteurs quelques pistes de réflexions originales : nous intéressaient en particulier les cas historiques particulièrement significatifs quant à la question du revêtement ou du dévoilement des supports.
Christina Ferando
Au XVIIIe siècle, certains sculpteurs, comme Antonio Canova, utilisèrent la cire pour essayer de teinter de façon subtile la surface de leurs œuvres, s’attachant tout particulièrement au traitement de la chair de leurs figures. Cet essai explore la réticence du public face à cette polychromie, proposant un lien entre la critique largement négative des œuvres et l’apparence trompeuse de leur surface dont le traitement à l’encaustique imitait de trop près celle de l’Antique. D’autre part, l’effet de réel de la couleur menaçait le statut de la sculpture et sa place dans la hiérarchie des Beaux-Arts. Mettant l’accent sur la surface même de l’œuvre, et l’opposition entre surface et son contenu, l’effet de réel ainsi mis en place soulevait des questions non seulement esthétiques, mais aussi philosophiques et scientifiques.
Adeline Grand-Clément
Dans la langue grecque, le terme qui désigne la peau, khrôs, signifie aussi « couleur ». L’épiderme humain est ainsi un des éléments à partir desquels les Grecs ont pensé le chromatisme et ses caractéristiques. L’excellence d’un peintre se mesurait d’ailleurs à sa capacité à trouver le ton juste, capable de rendre les nuances subtiles du teint humain (andreikelon) et de conférer à l’œuvre picturale un effet de vie. On sait aujourd’hui que les statues n’échappaient pas à cette mise en couleurs, même si le traitement des parties dénudées du corps humain demeure relativement mal connu. L’article proposera quelques réflexions autour de ce rapport entre peau et couleur, en s’intéressant à un matériau en particulier : le marbre. Cette pierre cristalline semble en effet avoir été l’un des supports privilégiés de la mise en couleur, depuis l’époque archaïque, et l’on s’interrogera sur les raisons qui expliquent cette préférence.
Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud
Alors que l’Éthiopie est christianisée à partir du ive siècle de notre ère, les premières icônes éthiopiennes préservées datent du xve siècle sans que l’on établisse précisément aujourd’hui si c’est à ce moment qu’elles apparaissent en Éthiopie ou si d’autres plus anciennes ont complètement disparu. Partant de l’analyse des matériaux et de la manière dont ils sont mis en œuvre, cet article propose d’étudier la stratigraphie de deux icônes parmi les plus anciennes conservées pour discerner les différentes étapes de la création de l’œuvre et celles qui concernent sa vie sur une durée plus longue. Tout en mettant en évidence la mise en place d’une technologie des icônes en Éthiopie de manière générale, il entend réfléchir aux modalités de la création en reconsidérant les pratiques d’attribution en cours dans l’histoire de l’art éthiopien.
Maddalena Cana
Grisi siknis, en miskito nicaraguayen « la maladie folle », est une famille de crises de transe hallucinatoire perçues comme une maladie contagieuse chez plusieurs populations de la Moskitia, une aire multiethnique s’étendant entre le Honduras et le Nicaragua oriental. Une attaque de grisi siknis déclenche un comportement agressif/auto-agressif associé à une série d’hallucinations récurrentes. À cause de leur potentiel pathogène, les images visuelles associées aux attaques de grisi siknis sont rarement représentées. Elles constituent cependant un répertoire iconique cohérent et sophistiqué. Par une pratique ethnographique expérimentale, en demandant à une série d’affectés de dessiner sur papier ces apparitions, j’ai participé à la mise en évidence de cette tradition iconique de mémoire hallucinatoire. En m’interrogeant sur le statut de ces images, à la fois représentations, résidus somatiques et matrice imaginaire partagée, je propose la notion d’iconographie implicite pour rendre compte de ces traditions où un répertoire iconique figé est transmis en l’absence d’un support externe.
Arnaud Dubois
À partir d’une étude croisée de la littérature savante sur la polychromie antique et industrielle et de données issues d’une enquête de terrain sur une architecture contemporaine qui prend ses distances avec les couleurs fonctionnelles de l’architecture moderniste, cet article montre qu’une approche ethnographique des pratiques coloristes permet de dégager une historiographie largement sous-évaluée des travaux sur l’art coloriste en architecture moderne. En rendant compte des entretiens que j’ai eus avec Patrick Bouchain et Daniel Buren sur leurs positions théoriques sur la coloration des murs et en confrontant leurs réponses aux théoriciens du XIXe siècle en Europe, j’aborde la délicate question de la coloration du Centre Pompidou Mobile. Relève-t-elle ou non d’une démarche « décorative » ?
coordonné par Tania Vladova
Au centre de ce volume intitulé Après le tournant iconique demeure l’intuition, plutôt que le constat, d’un affaiblissement sinon d’une sortie ou d’une fin du tournant iconique. Tout en gardant à l’esprit les acquis de ce tournant, cela oblige à repenser les rapports entre images et textes en réévaluant l’héritage iconologique et structuraliste. Si sortie il y a, elle n’est pas liée à un quelconque affaiblissement du rôle des images, mais plutôt à la nécessité de changer de perspective, de repenser à nouveaux frais notre rapport à l’art et à la matérialité de ses œuvres, mais aussi de passer outre l’opposition stérile et insoluble entre images et textes qui, dans le manège entre tournant linguistique et tournant iconique, a traversé tout le XXe siècle. Cette sortie ou postérité serait donc liée à une prise de distance libératrice en ce qu’elle permettrait d’adopter une vue synoptique seule capable d’embrasser la complexité du réel.
Selon une très ancienne tradition, la peinture, cette « poésie muette », serait vouée au silence. Cette assignation appelle un examen qui se déploie en trois temps : une exploration philologique, tout d’abord, des nombreux mots qui disent l’absence de sons ou l’absence du langage ; une analyse esthético-poétique des conditions sous lesquelles le passage d’un régime des genres (à l’enseigne de l’Ut pictura poesis) à un régime de l’art (définitoire de la modernité) a pu être pensé comme passage d’une peinture parlante ou sonore à une peinture définitivement et radicalement muette ; un réexamen philosophique, enfin, de ce grand paralogisme contemporain qui, sous couleur de dénoncer le logocentrime et l’« impérialisme linguistique », aura évacué la poïèse verbale avec le logos, se privant ainsi des ressources du sens, lequel est lié à la possibilité du langage tout en restant irréductible à la signification linguistique.
Cet article porte sur le rapport complexe de l’art au langage chez le philosophe allemand Ernst Cassirer (1874-1945) et cela selon trois niveaux distincts de compréhension de son œuvre. L’analyse de l’interprétation cassirerienne du tournant langagier qu’imprima le théoricien du langage Wilhelm von Humboldt au criticisme kantien permet, à un premier niveau, de mieux cerner le rapport de la philosophie des formes symboliques de Cassirer à l’iconologie d’Erwin Panofsky. Mais un second tournant langagier se joue encore chez Cassirer, lui permettant d’approfondir la conception morphologique de la Gestalt propre à Goethe dans la direction du structuralisme naissant, ce qui pourrait fort bien avoir été une des sources de Claude Lévi-Strauss. À un troisième et dernier niveau, cet article propose toutefois d’évaluer non seulement les points de convergence entre l’esthétique de Cassirer et celle du célèbre anthropologue français, mais aussi leurs points de divergence potentielle. Si le symbole est avant tout pour Cassirer un acte impliquant le corps en mouvement qui perçoit et si tout le processus de création du sens s’enracine chez lui dans un processus de symbolisation rituelle, Cassirer se positionnerait plutôt du côté de l’historien de l’art que fut Aby Warburg, tandis que Lévi-Strauss se rapprocherait davantage de Panofsky, dès lors qu’il s’agit de démêler les rapports qu’entretiennent art et langage.
Avec en toile de fond historique, Hiroshima et le devenir commercial de l’art, Robert Smithson va trouver dans l’idée d’entropie et de désordre croissant, qui excluent l’optimisme des pensées utopiques, une manière nouvelle de pratiquer l’art. Il est urgent pour lui de donner une nouvelle acuité au regard, celui de l’artiste comme celui des spectateurs. Avec une tendresse et une intelligence aiguës, Smithson invente une autre manière de regarder le paysage entropique, cette réalité symbolique de toutes les érosions, physiques comme intellectuelles. Dès lors, dessinant, photographiant et accumulant des traces, l’art réaffirme sa présence au cœur du désastre.
Arthur Danto affirme que le Vietnam Veterans Memorial de Washington incarne la beauté même de sa signification. Selon lui, cette « beauté interne » à l’œuvre d’art public est à la fois ressentie et lue, car elle est construite comme si elle était un texte et selon la rhétorique de l’enthymème, du syllogisme fondé sur une connaissance tacite et sur un lieu commun largement partagé et fortement probable. Pourtant, la référence à la pulchritudo adherens de Kant et à la philosophie de l’architecture est assez problématique. Danto évoque comme contre-exemple l’autoréférentialité illisible tantôt du Modernisme grenbergien, tantôt du minimalisme environnemental et anti-monumental de Richard Serra, mais l’agentivité de la beauté réelle et partagée du Mémorial est hantée par une logique spectrale de l’incorporation. Ce qui s’incarne dans cette œuvre peut en fait toujours excéder la rhétorique de la reconnaissance supportée par le syllogisme et troubler le cadre identitaire de la communauté donnée, notamment nord-américaine. Les ombres des visiteurs réfléchies et mélangées aux noms sur le mur du Mémorial peuvent devenir des signes-index illisibles et pathétique, ou être aperçues comme une empreinte figurale, éphémère et inquiétante ; finalement, ces images désincarnées peuvent réaliser une incorporation médiale – ce qu’on appellera avec Warburg Verkörperung – de l’arrière-monde, du royaume des morts.
Ce texte a pour objet les relations entre les mots et les images, envisagées à partir des cas les plus fréquents, lorsqu’ils sont combinés dans des énoncés mixtes, c’est-à-dire verbo-iconiques. Leurs interactions sont analysées du point de vue sémantique, afin de comprendre comment chacun des deux aspects contribue à la production du sens de l’énoncé. Ces interactions sont examinées ici sous l’angle restreint de la relation rhétorique. Le choix de cette approche répond à une double motivation : rendre compte de la façon dont les mots et les images interagissent dans certains énoncés verbo-iconiques, mais aussi veiller à montrer que dans ces interactions les mots n’ont pas nécessairement le rôle moteur que l’on continue encore trop souvent de leur attribuer.
La question de l’image sonore est au cœur de la pensée musicale depuis que la musique s’est éloignée de ses conditions initiales autour du 14ème siècle. C’est à partir du moment où elle se constitue en phénomène d’écriture que la musique quitte le plan d’une logique concrète du sensible pour accéder à des enjeux plus spécifiques pour la constitution de son épistémologie. L’image sonore atteste de cette conceptualisation du phénomène sonore. Ecrire une image sonore revient à s’immerger dans la vie d’un son pour en modifier les composantes. Dans cet article, on montrera qua la dimension plastique du son n’est pas donnée dans sa phénoménalité mais se constitue dans le voisinage des techniques assistées par ordinateur. Agir la plasticité du son, envisager ses identités multiples, activer l’image d’un son, dans une prise de forme qui est celle de la transformation morphogénétique doit alors se penser dans un cadre qui envisage la musique non pas du point de vue de l’émotion mais de la spéculation, des configurations et agencements formels spécifiques et singuliers.
Giuseppe Di Liberti
Intituler le premier dossier d’une revue dédiée à la réflexion sur les images “Théories” peut sembler à première vue, si ce n’est prétentieux, du moins un peu “flou”. Ce titre correspond en réalité à une exigence constitutive d’Images re-vues : la nécessité d’une réflexion méthodologique sur des approches disciplinaires différentes et sur des concepts et des modèles qui caractérisent le débat actuel sur l’image. Lors des deux journées de présentation des travaux des doctorants du CEHTA en février 2005 – dont une sélection est publiée dans ce premier numéro – celle-ci est apparue comme le fil conducteur le plus évident. Le dossier, à travers les six articles qui le composent, vise à présenter différentes approches pertinentes de la production des images. Les questions soulevées par ces articles, très ponctuelles dans le choix de territoires explorés, concernent l’ensemble des processus d’identification des pratiques artistiques et de la réflexion théorique autour de ces pratiques. Tous ces articles participent au projet de la revue en ce qu’ils témoignent d’une recherche qui se construit en repensant des repères scientifiques. Cette recherche coïncide avec la recherche de sens et d’identité de notre travail. (lire la suite)
Actes du colloque international organisé par l’EHESS-CEHTA et l’INHA sous la direction scientifique de Giovanni Careri et de Georges Didi-Huberman à l’INHA, le 5 et 6 décembre 2008.
Giuliana Ravviso
Walter Benjamin (1892-1940) est depuis longtemps reconnu comme l’une des figures majeures de la réflexion philosophique, historique et littéraire.
La philosophie de l’art est, avec la philosophie du langage et la philosophie de l’histoire, l’un de trois grands thèmes qui traversent l’œuvre de Benjamin.
Son oeuvre constitue un tournant fondamental pour les sciences humaines et des notions telles que l’aura, l’image dialectique, l’anachronisme, le montage, la « lisibilité » ou la reproductibilité technique sont désormais des acquis dans le domaine de la recherche.
Ce penseur inclassable n’a pas seulement proposé de nouveaux modèles d’historicité mais aussi des nouvelles façons de regarder et interpréter les oeuvres de la culture et de l’art : du drame baroque à la photographie et au cinéma des années 1930, de la poésie romantique à l’architecture urbaine, du roman moderne au théâtre expérimental.
Flâneur érudit, il a résisté au temps grâce à l’immense qualité littéraire des ses écrits et à son sens aigu des enjeux théoriques de l’époque.
Tour à tour philosophe, anthropologue, théoricien de la littérature et de l’art, historien, sociologue, il reste donc un auteur « absolument moderne » qui s’intéresse sans cesse à des nouveaux objets d’étude, qui découvre des nouvelles problématiques, à la recherche de nouvelles clés pour comprendre son temps. lire la suite
Editorial
Deux ans ont été nécessaires à la préparation de ce numéro. Sans doute parce que, parmi les de plus en plus nombreuses publications sur l’ornement qui paraissent depuis quelques temps, l’approche retenue ici, une approche conceptuelle, est tracée sur un chemin de crête étroit. D’un côté on voulait éviter le vaste domaine des arts décoratifs et surtout l’approche stylistique qui y règne ; de l’autre, il fallait aussi éviter de rabattre l’ornement sur des questions iconographiques ou rhétoriques, où sa performativité spécifique est absorbée et diluée. Enfin, on voulait tenter de couvrir une longue durée, un large panel géographique, de façon à poser les bases d’une histoire ornementale de l’art, dont les conséquences épistémologiques, méthodologiques et esthétiques seraient profondes. Bien sûr, un numéro n’y suffit pas, notre histoire ornementale a des lacunes et nous regrettons l’absence d’un certain nombre d’auteurs dont les écrits sur l’ornement nous ont accompagnés mais qui, pour une raison ou une autre, n’ont pu se joindre à nous sur la route d’Images Re-vues. Mais notre compagnie, hétéroclite quant à l’expérience de ses membres et aux domaines de recherche, véritable patchwork – Jean-Claude Bonne, Lizzie Boubli, Massimo Carboni, Guillaume Désanges, Jean-Baptiste Eczet, Laurent Koetz, Bertrand Prévost, Estelle Thibault, Ariane Varela Braga – fournit déjà une cartographie détaillée des principaux territoires de l’ornementalité. Continuer la lecture
Nous avons le plaisir de vous annoncer la parution du hors-série n°3 d’Images Re-vues :
“Iter” et “locus“. Lieu rituel et agencement du décor sculpté dans les églises romanes d’Auvergne
par Jérôme Baschet, Jean-Claude Bonne et Pierre-Olivier Dittmar
Images re-vues accueille, dans le format d’un hors-série, ce qui est en fait un ouvrage, dû à trois auteurs et composé de six chapitres.
